Ojo al parche

Red Social

2010-11-24T22:09:00.014-03:00

Título original: Social Network (USA, 2010) / Dirección: David Fincher / Elenco: Jesse Eisenberg, Andrew Garfield, Justin Timberlake, Rooney Mara, Armie Hammer, Rashida Jones / Duración: 121 minutos

David Fincher lo hizo de nuevo. Al igual que con Fight Club una década atrás, logra nuevamente con Social Network un film que retrata fielmente a la sociedad de su momento. Un film que dentro de muchos años será de visión indispensable para quienes estudien la época que estamos atravesando. Mientras aquella oscura película cargaba sus tintas sobre la sociedad consumista norteamericana de los 90, ésta aborda la revolución tecnológica y social que está teniendo lugar a nivel mundial, y de la que aun desconocemos sus alcances definitivos.

La peli muestra cómo se inició el fenómeno Facebook. Cómo su creador, Mark Zuckerberg, empezó el proyecto casi como una broma universitaria (y por despecho). Y cómo de a poco eso que fue una travesura se fue convirtiendo en uno de los fenómenos sociales y económicos más destacados de la última década.

La dirección de Fincher es brillante, logrando un ritmo vertiginoso y una línea narrativa clara y comprensible, más teniendo en cuenta la complejidad de muchos de los elementos en juego. La peli se desarrolla a partir de los litigios que tienen lugar contra Zuckerberg, ya multimillonario, por parte de Eduardo Saverin, su ex mejor amigo y socio inicial (excelente Andrew Garfield); y por parte de los gemelos Wynklevoss, quienes acusaban a Zuckerberg de haber robado una idea original de ellos. A partir de allí, la peli va y viene en el tiempo. Pero lo hace con una fluidez extraordinaria, jamás confundiendo ni aturdiendo al espectador. El guión, a cargo de Aaron Sorkin, es uno de esos trabajos que parecen reunirlo todo (claridad en su premisa, personajes interesantes, diálogos brillantes, observaciones profundas, ironía).
Las actuaciones son de una excelencia uniforme. Si bien lo de Jesse Eisenberg no dista mucho del joven introvertido, errático e inteligente que ha interpretado en el pasado (The Squid and the whale, Adventureland, Zombieland) en este caso encontró el papel de su vida: cada gesto y mirada retraída transmiten a la perfección la naturaleza de un personaje al cual es muy difícil querer. Porque además de ensimismado, el muchacho es arrogante. Y se esfuerza demasiado por demostrarlo. Sorprende también Justin Timberlake, muy efectivo en el papel de Sean Parker, el carismático creador de Napster que encandiló a Zuckerberg y se sumó a sus huestes. En realidad, no hay ninguna actuación en este elenco de mayormente desconocidos que no sea digna de mención.

Lo más destacable del film, de todas formas, es que va mucho más allá de la anécdota en sí. La historia, por más que de antemano le pueda parecer lejana y poco interesante a muchos, es de lo más universal y accesible. Nos habla de la necesidad que tenemos de comunicarnos. De la forma que sea. De la necesidad de afecto. De como el hombre más rico del mundo puede ser también el más solitario (sin importar cuantos "amigos" tenga en Internet). Y de que, en definitiva, casi todo lo que hacemos en nuestra vida es para llamar la atención de los demás. La escena final de este brillante film da testimonio de esto.

9 DAMIANCITOS

Los indestructibles

2010-10-03T23:05:00.006-03:00

Título original: The expendables (USA, 2010) / Dirección: Sylvester Stallone / Elenco: Sylvester Stallone, Jason Statham, Jet Li, Mickey Rourke, Eric Roberts, Dolph Lundgren / Duración: 103 minutos

Como gancho, en especial para aquellos que tenemos más de 30 años, la propuesta tenía un innegable valor emotivo. Más allá de lo que uno piense sobre las cualidades de Stallone como actor y realizador, el anunciado regreso de Sly a la acción que tantos réditos le había dado en los años 80 nos generaba cierta cosquilla. Sin dudas, la buena recepción (tanto de crítica como de público) que sus nuevas entregas de Rocky y Rambo obtuvieron, le dieron el empuje para encarar esta propuesta. Pero Sylvester no supo aprovechar la oportunidad, y tiró la pelota afuera.

The Expendables muestra el accionar de un grupo de mercenarios norteamericanos (todos ex militares) que se dedica a misiones imposibles para cualquier mortal, salvo para ellos. Un día, les asignan una misión en una típica republiqueta centroamericana. Allí conocen a una mujer cuya fuerza de voluntad y valentía llevan al líder del grupo (Stallone) a meterse de lleno contra quienes ostentan el poder en el lugar (entre ellos, un muy malísimo norteamericano interpretado por Eric Roberts).
La peli es, como era de esperarse, un compendio de lugares comunes. Pero Stallone no logró imprimirle el tono irónico necesario para que funcione. Simplemente armó un film con un guion muy básico, y un par de escenas de acción poco memorables. Así, la peli queda a mitad de camino entre el homenaje, la acción y la "buddy movie". Creo que el peor pecado de la peli es no ser divertida. Salvo un par de guiños (los cameos de Schwarzenegger y Bruce Willis; la relación entre Stallone y Jason Statham; algún chiste sobre Jet Li), el film no ofrece mucho humor. Y las escenas de acción, como dije, no aportan mucho.

Con un desarrollo de los personajes muy superficial, todo queda en la pose de súper macho. Aunque tampoco se podía esperar mucho desarrollo de este elenco (a menos que alguien esperase algo de Dolph Lundgren). El único actor de real relieve, Mickey Rourke, también cae preso de la superficialidad, aunque al menos Stallone le entregó el único monólogo de la película.

En fin, una oportunidad desperdiciada. Para segundas vueltas de héroes de acción de los 80, recomiendo mirar JCVD, la muy inteligente propuesta con la que Van Damme sorprendió el año pasado. The expendables la recomiendo sólo para un domingo de lluvia, y sin fútbol.

4 DAMIANCITOS

El origen

2010-07-27T18:26:00.027-03:00

Título original: Inception (USA, 2010) / Dirección: Christopher Nolan / Elenco: Leonardo DiCaprio, Joseph Gordon-Levitt, Ellen Page, Ken Watanabe, Tom Hardy, Cillian Murphy, Tom Berenger, Marion Cotillard, Michael Caine, Lukas Haas, Pete Postlethwaite/ Duración: 148 minutos

Con Inception el realizador inglés Christopher Nolan se gana un lugar entre los grandes directores de la última década. Con una filmografía más que sólida que había arrancado con Memento y llegaba hasta la excelente The Dark Knight, Nolan consigue ahora con esta película su obra más personal y original, una que sin dudas marca un punto alto no sólo dentro de la ciencia ficción sino dentro del cine en general.

DiCaprio es Cobb, un especialista en penetrar en los sueños de las personas y extraerles ideas y conocimientos. En realidad, esto lo realiza mediante un artilugio tecnológico que le permite a cualquiera ingresar en la mente humana, sólo que Cobb es el mejor en lo suyo. Un día, es contratado por el empresario Saito (el excelente Ken Watanabe) para hacer lo contrario a lo que habitualmente hace: debe ingresar en los sueños de una persona, pero para insertarle una idea nueva. Se trata de Robert Fischer Jr. (Cillian Murphy) un joven empresario que está por heredar la compañía de su padre, a la cual Saíto quiere ver arruinada. Lo que sigue, es la forma en la que Cobb y su equipo de colaboradores arman y ejecutan el plan para realizar el trabajo.

Inception es una gran película. Una que bucea en territorios nuevos aunque en gran parte esté planteada como una clásica película de robos (nada más que en lugar de una bóbeda aquí se acceda a la mente humana). Como toda película de ciencia ficción requiere de una condición esencial: que nos creamos todo lo que nos cuentan. Desde al vamos es una historia fantasiosa, pero si "compramos" la premisa, es todo ganancia para nosotros. Nolan (también autor del guión) nos entrega una historia que, dentro de su propia lógica, cierra por todos lados. Otra condición que debemos cumplir como espectadores es prestar debida atención a todo lo que se nos cuenta, para entender los mecanismos que impulsan la trama. Si hay que buscar un punto de comparación con otra película lo primero que aparece en mente es Matrix, con su manejo de realidades paralelas. Pero Nolan lleva su film dos, tres o cuatro pasos más allá. Sus protagonistas navegan en sueños, dentro de sueños, dentro de sueños. Cuando llega el climax del film, la forma en la que Nolan orquesta los distintos niveles de realidad (o fantasía) es una maravilla. Un prodigio de la narrativa fílmica.

Con un Di Caprio que está cada vez más solvente como interprete (aquí su personaje es un fugitivo que vive un drama personal/psicológico que complica bastante su labor profesional) y un elenco sobresaliente, Nolan logra que en medio de tanta imaginación y tecnología haya lugar también para la emoción, con una historia que aborda conceptos como la pérdida, la reconciliación y la redención. Y se consagra dentro de esa reducida elite de realizadores (Kubrick, Spielberg, Cameron) que consiguen insertar ideas originales y conceptos de carácter bien personal dentro de una súperproducción. En un mundo lleno de remakes, secuelas y cine prefabricado, esto es algo que hay que festejar y disfrutar. Una película destinada a ser un clásico.

El origen se estrena en Argentina el 29 de julio de 2010.

Carancho

2010-07-19T18:09:00.011-03:00

Título original: Carancho (Argentina, 2010) / Dirección: Pablo Trapero/ Elenco: Ricardo Darín, Martina Gusmán, Carlos Weber, José Luis Arias, Gabriel Almirón / Duración: 107 minutos

Sosa es un abogado de accidentes de tránsito; Luján es una médica que por las noches recorre la ciudad en ambulancia asistiendo a víctimas de accidentes. En medio de un ambiente sombrío, lleno de desesperanza y corrupción, inician una relación difícil y con destino incierto. Las “relaciones peligrosas” que Sosa ha sabido conseguir pondrán en riesgo no sólo su romance, sino la vida de ambos.

Es saludable contar en Argentina con realizadores como Pablo Trapero, un tipo que a esta altura posee sobre sus espaldas un cuerpo de trabajo que lo ubica entre los directores más destacados y confiables de nuestro medio. Desde aquella Mundo Grúa (1999) hasta la actualidad, Trapero ha demostrado un crecimiento y una evolución permanentes, escapándose de esa generación de cineastas argentinos que basaban su propuesta en la sencillez pero que demostraban muchas veces no tener mucho para contar.

Trapero logra con Carancho un film con gran nervio, valiéndose para esto de una permanente cámara en mano. Y si bien la estética termina siendo muy natural, lo cierto es que se nota un trabajo muy importante de puesta en escena. Hay largas tomas sin cortes de edición que, evidentemente, son el producto de una detallada planificación. Más allá de las diferencias entre los dos filmes, un par de tomas continuas me hicieron acordar a Niños del Hombre, tanto por el uso de la cámara en mano como por el realismo que transmiten.
Darín aporta su habitual solvencia, en un papel ya característico en su carrera: el de un tipo esencialmente bueno pero al que la vida y el entorno lo han ido llevando hacia el lado oscuro. Martina Gusmán también cumple una buena labor, aunque su estilo de actuación (acorde al del director, quien es a la vez su esposo) tiene un perfil más bajo que el de Darín, por lo que a veces su figura empalidece al lado de la de él.

A nivel “revelatorio” la peli no aporta mucho, ya que el submundo de las ambulancias, los accidentes y la noche han sido bastante cubiertos por variados programas de televisión en los últimos años (E24, Policías en acción, etc). Pero sí utiliza de manera eficaz ese universo al servicio de la historia de sus protagonistas.
Una película muy recomendable. Eso sí, oscura y deprimente. Pero muy bien hecha, que es lo que en definitiva importa.

Criatura de la noche

2010-06-07T21:51:00.012-03:00

Título original: Lat den rätte komma in (Suecia, 2009) / Dirección: Tomas Alfredson / Elenco: Kare Hedebrant, Lina Leandersson / Duración: 115 minutos

Hay películas a las que es injusto etiquetar o incluir dentro de un género. La sueca Let the right one in (título en inglés con el que se comercializó mundialmente) es un claro ejemplo. Porque si habláramos de ella simplemente como "una de vampiros" no sólo estaríamos dando un indicador muy vago sobre la trama, sino que estaríamos dejando de lado sus aspectos más importantes.

Oskar es un chico de 12 años, solitario y retraído, blanco favorito del grupo de compañeros pendencieros del colegio. Hijo de padres separados, vive con su madre en un frío complejo de edificios. Un día (o una noche, mejor dicho) llega a su barrio Elin, una enigmática chica de la cual paulatinamente se va haciendo amigo. La niña en cuestión resulta ser un vampiro, pero su existencia no es muy diferente de la de Oskar. Ambos son seres que se sienten extraños en medio del mundo que les toca vivir. Y que sufren por ello. Así, irán formando un inusual vínculo, dándose fuerzas mutuamente para salir adelante.

Como dije, sería engañoso enmarcar a este film dentro del subgénero de vampiros. Incluso sería erróneo considerarlo dentro del género de terror. Su tema central es la soledad, y la posibilidad de encontrar a alguien que nos haga sentir queridos. Que nos haga sentir "humanos", paradójicamente. No importa que sean chicos de 12 años, y que uno sea un vampiro. Eso es casi secundario. De hecho, y si bien la película tiene unos climas formidables, es difícil que el espectador sienta miedo en algún momento. Lo que predomina en la cinta es un sentimiento de melancolía y soledad.

El ritmo del film es moroso. Así que aquellos que busquen algo en la línea de Crepúsculo, se van a aburrir de lo lindo. Creo que su estreno local intentó un poco subirse a la estela de Nueva Luna, aunque dada la sideral diferencia entre ambas propuestas cinematográficas, se trató de una estrategia con un basamento meramente comercial. Este film está a años luz de esos adolescentes de póster. Es una historia de personajes oscuros, sin carisma ni atractivos físicos. Pero con alma... Por suerte, hay películas para las que la palabra marketing no entra en la ecuación.

Tarde pero seguro: La escafandra y la mariposa

2010-05-09T22:29:00.011-03:00

Esta película francesa del 2007 nunca había tenido oportunidad de verla, y gracias a la tv por cable pude finalmente hacerlo recientemente. Es la historia real de Jean-Dominique Bauby, joven editor de la revista Elle que sufrió un accidente cerebro vascular y que salió del coma con la capacidad física de tan sólo pestañear su ojo izquierdo. Preso en un cuerpo inmóvil, pero con las facultades mentales a pleno, logró escribir un libro transmitiendo sus palabras mediante el simple parpadeo de su ojo.

Lo que a priori parecería ser el tipo de película melodramática de la cual suelo escapar es una verdadera joya que, gracias a la brillante dirección de Julian Schnabel, trasciende el mero drama sobre un enfermo para convertirse en una obra superior. El film es un triunfo artístico al lograr transmitir la imaginación, el sentido del humor y la inteligencia de su protagonista, sin caer nunca en el golpe bajo o el efectismo. Basada en el libro escrito por Bauby, desmuestra que la imaginación logra trascender cualquier estado físico.

Mathieu Amalric está excelente en un papel casi imposible (demostrar emociones a través de un ojo). Y está rodeado de un elenco mayormente de mujeres, todas ellas muy bonitas y talentosas. También perfecto es lo de Max Von Sydow, como el padre de Bauby.
En definitiva, un film único que deja una sensación de alegría más que de tristeza. La alegría que genera el talento. En este caso, el del personaje protagónico y el de los responsables de realizar un film como este. Les recomiendo calurosamente que lo vean.

El mejor papá del mundo

2010-04-15T22:25:00.010-03:00

Título original: World's greatest dad (USA, 2009) / Dirección: Bobcat Goldthwait / Elenco: Robin Williams, Daryl Sabara, Alexie Gilmore / Duración: 99 minutos

Voy a hacer algo que creí que nunca haría: recomendar una película con Robin Williams. Así es, este actor a quien he aprendido a detestar gracias a sus cada vez peores filmes y a su tendencia al melodramatismo aparece aquí en una historia oscura y cómica, que ni su presencia puede arruinar.

El film comienza como una comedia dramática bastante negra. Williams hace de Lance, un profesor de poesía de colegio secundario que sueña con ser un escritor famoso (ya le rechazaron varios libros) y que tiene un hijo, Kyle, que es realmente insoportable. Adolescente, mal estudiante y vulgar, no tiene ninguna cualidad rescatable. Esto no sólo hace la vida hogareña de Lance muy difícil (es padre soltero) sino que le trae problemas laborales, ya que el chico concurre al colegio en el que su padre enseña. Un día, luego de un bizarro suceso "erótico" en el que se ve envuelto Kyle, Lance ve la posibilidad de lograr la fama y el éxito con los que tanto soñó, si bien para lograrlo toma una decisión bastante cuestionable.

El director y autor de esta película es el comediante Bobcat Goldthwait. Quienes tengan más de 30 años, pueden recordarlo de la serie de Locademia de Policías y de alguna que otra comedia pedorra de los '80. Era un gordito medio pelado que hablaba como chillando... Pero poco queda de su pobre pasado actoral. En los últimos años el tipo se destapó como un autor/director bastante interesante, reinventándose desde el cine independiente. La primera hora del filme es muy buena, manteniendo un tono de comedia negra inusualmente compacto. El personaje de Kyle (interpretado por el desconocido Daryl Sabara) es realmente increíble. Es uno de los adolescentes más detestables e irredimibles que recuerde. Luego la historia va hacia el lado de la sátira, aplicando una mirada crítica sobre la fama y sus mecanismos. En este sentido la peli no es tan efectiva, aunque sí logra algunos momentos y observaciones profundas. Y se puede decir que esta es la actuación más tolerable de Williams en un buen tiempo. En registro dramático y contenido, está muy bien en la piel de este personaje mediocre y solitario. Pero el personaje que más quedará en mi memoria es el de Kyle, sin lugar a dudas.
La verdad que, si bien imperfecto en algunos sentidos, el enfoque de Goldthwait es original y atractivo. Y lo muestra como un director para tener en cuenta por su capacidad para manejar la comedia negra, un subgénero muy difícil de abordar.

El cuarto tipo

2010-04-01T18:57:00.013-03:00

Título original: The fourth kind (USA/UK, 2009) / Dirección: Olatunde Osunsanmi / Elenco: Milla Jovovich, Will Patton, Elias Koteas / Duración: 98 minutos

The fourth kind aborda la temática de las abducciones extraterrestres. Y si bien lo hace desde un costado interesante, que bucea en el drama vivido por aquellos que sufren estas supuestas experiencias, el estilo y la forma elegidos para contarlo no lograron en mí ningún impacto, y toda la experiencia me resultó más aburrida que aterradora.

La peli cuenta lo sucedido a la dra. Tyler, una psicóloga investigadora que acaba de sufrir la muerte de su esposo (también investigador) y que descubre de a poco que algo extraño está sucediento con algunos habitantes de Nome, pequeño poblado de Alaska. Extrañas visiones nocturnas compartidas por varios pacientes le irán dando la pauta de que el tema va más allá de la mera psiquis, y también irá entendiendo que lo sucedido la involucra mucho más de lo que creía. O de lo que querría.

El cuarto tipo es un film ¿de terror, de ciencia ficción, dramático, de investigación? Es una mezcla, en realidad... Es un film que se vale de ese recurso tan habitual hoy en día de usar supuestas filmaciones reales para dar veracidad a lo sucedido. La diferencia en este caso con películas como Blairwitch, Rec o Actividad paranormal es que ésta se presenta como una investigación que combina dramatizaciones sobre los sucesos (con Milla Jovovich como la protagonista) con supuestas entrevistas, filmaciones y audios reales. Por ejemplo, en varios momentos la pantalla está dividida y vemos, simultáneamente, la escena actuada y las filmaciones en video (supuestamente reales) tomadas por la investigadora. En mi caso, este estilo no funcionó. De hecho, me recordó a esos programas que dan canales como Infinito y Discovery. Sólo que durando más de una hora y media. Y el suspenso que me generó fue mínimo. Cualquier capítulo de los Expedientes X lo supera ampliamente en ese sentido.

Creo que el gran problema es que para que el film funcione uno debe "comprar" desde un principio lo que se le cuenta, lo que se le muestra. Y yo no compré. No pude. Me hubiera encantado hacerlo, ya que lo habría disfrutado. Aclaro que creo en la existencia de Ovnis y vida extraterrestre (no soy un fanático del tema, pero mantengo la mente abierta). Pero no logré creerme en ningún momento que lo mostrado como material real, en efecto lo era. Y eso me cagó toda la experiencia. Aunque hay un par de lindos sobresaltos.
Así que ya saben. El disfrute que uno logre de este film será muy personal (bah, como ocurre siempre), por lo que espero haber dejado claro cómo viene la mano. Si les interesa el tema, y se proponen "comprar" lo mostrado aquí, posiblemente pasen un buen rato. Caso contrario, les pasará algo muy parecido a lo que me ocurrió a mí.

El cuarto tipo se estrena en argentina el 1 de abril.

Un meme más

2010-03-24T19:24:00.010-03:00

Poco adepto a participar de estas cosas llamadas "Memes", igualmente acepto la invitación de los amigos Ale y JB. Se trata simplemente de elegir mis películas favoritas en distintas categorías. Digo "favoritas" porque de ningún modo digo que estas son "las mejores". Son sólo las que me gustan a mí, y que se me ocurren ahora. Seguramente si hago esto la semana que viene la lista difiera. Pero bueno, aquí va. Ah, no invito a nadie a seguir el juego en su blog porque, básicamente, soy un cortado. Desde ya, los invito a dejar sus opiniones aquí mismo. Graciasssssssss.

Mejor película:
No puedo elegir, lo lamento.

Película de acción:
Bourne ultimatum

Película de aventuras:
Trilogía Señor de los anillos

Película bélica:
Los doce del patíbulo

Biográfica:
Malcolm X

Película cómica:
El reportero / Torrente

Películas de Ciencia ficción:
Terminator

Película Deportiva:
El Toro Salvaje

Película Dramática:
No sé bien qué significa esta categoría.

Película de Gangsters:
El padrino

Película histórica:
Espartaco

Película independiente:
Perros de la calle

Película de juicios:
Una acción civil

Película musical:
The rocky horror picture show

Película basada en un comic:
Batman - The dark night / Watchmen

Película basada en una obra de teatro:
Sleuth

Película Romántica:
Cuando harry conoció a Sally

Película de terror:
El amanecer de los muertos

Thriller:
Seven

Cine negro:
Los intocables

Western:
El bueno, el malo y el feo

Animada:
Toy Story

Eso es todo amigos...

Reseña doble: Loco corazón / Un sueño posible

2010-03-16T21:30:00.002-03:00

Hace rato que no hago una reseña doble, pero creo que está bien hacerlo ahora, principalmente porque voy a hablar de las películas protagonizadas por los ganadores del Oscar a actuación principal. Además, creo que a ambas las une una característica: son historias que se desarrollan en ámbitos muy norteamericanos, pero que en realidad tratan temáticas universales. Así que aquí va:

Loco Corazón

Título original: Crazy heart (USA, 2009) / Dirección: Scott Cooper / Elenco: Jeff Bridges, Maggie Gyllenhaal, Colin Farrell, Robert Duvall / Duración: 112 minutos

Muchos han señalado, en ese afán por querer siempre comparar, que esta película era El luchador de este año. Y lo cierto es que la comparación no es del todo caprichosa. Como en aquel film de Darren Aronofsky, aquí tenemos un personaje en decadencia que alguna vez fue el mejor en lo suyo, pero que ahora sólo es apreciado por sus pocos y leales fans. Y, como en ese film, la cinta no tendría razón de ser si no fuera por su actuación central. Así como en El luchador Mickey Rourke cargaba sobre sus espaldas el peso de la película, entregando una actuación que lo puso nuevamanente en los primeros planos, aquí Jeff Bridges es quien se carga la película. Aunque en su caso, a diferencia de Rourke, lo suyo es una continuidad en lo que ha sido una carrera casi intachable.

Bad Blake es una leyenda de la música country que, ya lejos de sus mejores años, recorre las rutas de USA para tocar en pequeños bares de pueblos perdidos. Para hacer que su existencia sea más llevadera, se entrega a la bebida las 24 horas del día, por lo que sus actuaciones a veces terminan antes de lo previsto. Además, tiene que aguantar ver cómo Tommy Sweet, un joven al cual él le abrió el camino de la música country, es hoy la máxima estrella del género. En uno de sus viajes, en la ciudad de Santa Fé, Bad conoce a una joven reportera (Maggie Gyllenhaal), madre soltera, con la que empezará una relación. Pero la adicción de Bad a la bebida será un obstáculo difícil de superar para ambos.

Lo primero que hay que decir de este film es que no tiene muchas cosas originales para contar. Creo que cualquiera que haya leído las líneas previas notará que es una historia que les suena familiar. Pero lo mejor que tiene la película es, justamente, todo lo que no es: melodramática, efectista, exagerada. Esto sin dudas es en gran parte gracias a Bridges, quien tiene una forma de actuar tan natural que jamás da la impresión de estar, justamente, actuando. Con un look que hace acordar mucho a Kris Kristofferson, Bridges entrega una imagen completa de este músico acabado. Lo que vemos en pantalla no es un personaje, sino una persona. Si Bridges merecía o no el Oscar por este trabajo es un tema debatible (como con todos los premios). Si vamos al caso, este actor ha entregado actuaciones de similar calidad a ésta varias veces. Pero digamos que el hecho de que Jeff Bridges finalmente tenga un Oscar en su repisa no es para nada injusto.

La película se puede ver, aunque como dije no presentará ninguna sorpresa, y es muy posible que más de uno se aburra con la historia. Dependerá de su estado de ánimo y de la conexión que sienta con este solitario personaje que ha alejado sistemáticamente a sus seres queridos. Aquellos que aprecien también el valor de un actor con todas las letras, tendrán mucho para disfrutar. Y si les gusta la música country (cosa extraña en nuestro país), la banda de sonido es muy buena. Y Bridges canta realmente bien, por si le faltaba algo.

Un sueño posible

Título original: The blind side (USA, 2009) / Dirección: John Lee Hancock / Elenco: Sandra Bullock, Quentin Aaron, Tim McGraw, Kathy Bates / Duración: 129 minutos

Es oportuno hablar de esta película justo después de Crazy heart, porque la comparación es más que pertinente. Mientras que aquella se destaca por su naturalidad y realismo, ésta lo hace por su historia forzada, edulcorada y poco creíble. Algo realmente irónico, pensando en que está basada en una historia real.

The blind side cuenta la historia de Michael Oher, un joven negro de orígenes muy humildes que llega a un colegio privado gracias a sus capacidades deportivas. Con un físico de grandes proporciones, Michael es un chico extremadamente introvertido, con aparentes pocas luces, al que todos miran como un bicho raro. Pero todo cambia cuando Leigh Anne Tuohy, una mujer de clase acomodada y madre de dos alumnos del mismo colegio, al darse cuenta que Big Mike (tal como todos le dicen) no tiene dónde dormir, lo invita a quedarse en su casa. Lo que sigue, es la historia de cómo esta mujer tomó a este joven bajo su tutela, integrándolo a su familia y ayudándolo a progresar en su carrera deportiva.

Tengo que decir que en ningún momento la historia logró atraparme. Me pareció que su desarrollo es lento y sus personajes poco interesantes. La forma en que esta mujer adoptó a este chico, y la manera en que su familia lo aceptó, me pareció muy artificial. Que todo esto esté basado en una historia real no significa que el film sea necesariamente realista... Como dije, todo me sonó muy calculado, muy prefabricado. Ahora vamos a lo más publicitado de esta película, que es la actuación de Sandra Bullock. Es cierto que como Leigh Anne, la testadura y llamativa sureña de clase alta, Bullock logra un buen trabajo que sale de su registro habitual. Pero no es más que eso: un change of pace, como dicen los yanquis. O sea, es una performance interesante y distinta para alguien como Sandra Bullock, pero no me pareció digna de un Oscar, realmente. No puedo dejar de emparentar este premio con el otorgado a Julia Roberts por Erin Brokovich, otra actuación que fue exageradamente laureada. En el caso de Blind side también ocurre que el elenco que rodea a Bullock tiene el carisma de una babosa, lo cual la hace destacarse más. Comenzando por el novato Quinton Aaron como Michael (ok, el personaje es así, pero eso no quita que no sea un embole mirarlo), y pasando por el cantante country Tim McGraw en el papel del acaudalado esposo de Leigh Anne.

En fin. La verdad que no tengo mucho más que decir de esta película que, queda claro, me gusto muy poco. Está todo bien con las historia de vida y superación personal, pero cuando los hilos se ven mucho, se pierde un poco la gracia.

Un sueño posible se estrena en Argentina el 18 de marzo

El Gran Jeff Bridges

2010-03-08T06:00:00.006-03:00

Con el Oscar recibido ayer por su actuación en Crazy heart, Jeff Bridges consiguió un premio que se condice con su vasta trayectoria. Si uno piensa en los actores galardonados con el premio de la Academia de Hollywood a lo largo de la historia, queda claro que el gran Jeff (que ya había estado nominado otras cuatro veces) está por encima de muchos de ellos. Un actor realmente versátil, que puede pasar de la comedia al drama con naturalidad, y que tiene la extraña cualidad de ser igualmente apto para interpretar roles románticos como de carácter.

Acá les dejo 10 películas fundamentales para apreciar el talento de Jeff Bridges.

The last picture show (1971): en esta película de Peter Bogdanovich Bridges comenzaba a demostrar que era mucho más que "el hijo de" (su padre era el actor Lloyd Bridges). La peli es una historia sobre dos amigos de Texas que están dando sus primeros pasos hacia la adultez. Nominado al Oscar a Actor de Reparto.

Thunderbolt and Lightfoot (1974): acá Jeff volvía a demostrar su carisma al compartir el protagonismo cabeza a cabeza con Clint Eastwood. Su colorido papel de irresponsable ladrón, compañero del más experimentado Eastwood, le valió una nueva nominación a Actor de Reparto. Dirigida por Michael Cimino.

Starman (1984): un clásico de John Carpenter. Bridges era el personaje del título, un extraterrestre que llega a la Tierra y adopta la forma del difunto esposo de una mujer (Karen Allen). Nominado a Mejor Actor.

Tucker: the man and his dream (1988): en esta entretenida y muy bien hecha película de Francis Coppola Bridges hacía de Preston Tucker, un diseñador de autos que intentó enfrentarse a los popes de la industria automovolística a fines de los años 40. Otra gran caracterización en la que Bridges contagiaba el entusiasmo propio del personaje.

The fabulous Baker Boys (1989): a esta altura, casi un clásico. Por primera vez Jeff actuaba junto a su hermano Beau. Y al igual que en la vida real, él era el hermano fachero y talentoso, en esta historia de dos pianistas de salón que conocen a una cantante que les cambia la vida (Michelle Pfeiffer).

The Fisher King (1991): uno de los filmes más parejos de Terry Gilliam. Bridges hacía de Jack Lucas, un exitoso conductor radial que un día cae en desgracia y termina haciéndose amigo de un indigente medio chiflado (Robin Williams). Bridges estaba genial, pero la nominación al Oscar fue para Williams. Y bue...

The Vanishing (1993): dando muestras de su rango actoral, Bridges aquí interpretaba a un profesor de química responsable de la desaparición de una chica (Sandra Bullock). Kiefer Sutherland hacía del novio que, años después, seguía tratando de saber qué le había ocurrido. Un gran papel de Bridges, retorcido y oscuro.

Fearless (1993): film de corte existencialista de Peter Weir en el que Jeff interpreta a un hombre que sobrevive a un accidente de avión y que no puede evitar sentir que su vida ya no será la misma. Entre otras cosas, traba relación con otra sobreviviente que perdió a su pequeño hijo. La naturalidad de Bridges logra que el personaje sea mucho más que un manual de autoayuda caminante.

The Big Lebowski (1998): ¿qué más se puede decir de esta genialidad de los Coen? Un film que ya tiene el estatus de culto en gran parte gracias a la notable actuación de Bridges. El Dude Lebowski es sin dudas una de las grandes creaciones del cine, y otra muestra de la versatilidad de este actorazo.

Iron Man (2008): y, tenía que estar. Esta película es un caño. Y Bridges no hace más que aportar calidad con su rol de Obadiah Stane, el socio de Tony Stark (Robert Downey Jr) que luego se convertirá en su enemigo. Un villano que no tiene un pelo de tonto.

Un maldito policía en Nueva Orleans

2010-02-24T20:17:00.013-03:00

Título original: The bad lieutenant: Port of call - New Orleans (USA, 2009) / Dirección: Werner Herzog / Elenco: Nicolas Cage, Eva Mendes, Val Kilmer, Fairuza Balk, Xzibit, Brad Dourif, Jennifer Coolidge, Michael Shannon / Duración: 122 minutos

"Qué difícil se me hace", decía Alejandro Lerner. Y a mí también se me hace difícil, pero no cargar el equipaje, sino aguantar a Nicolas Cage. Actor propenso a la exageración y a actuar en películas pedorras, pero que posee una indudable intensidad y, si es bien dirigido, la capacidad de crear personajes distintos. Y este es el caso de Bad Lieutenant: port of call - New Orleans, film en el que la típica pose exacerbada de Cage tiene una legítima razón de ser.

Terence McDonagh es un policía de New Orleans que vive al límite. Si bien su carrera policíaca va en ascenso, su vida personal es bastante tumultuosa. Adicto a la cocaína (o a cualquier droga que caiga en sus manos), apostador empedernido, con una lesión en la espalda que le causa dolor crónico, de "novio" con una prostituta con clientes poderosos, hijo de un padre alcóholico, y varios etcéteras más... Un día McDonagh recibe el caso de una familia de inmigrantes senegaleses masacrados en su hogar, lo que lo llevará a investigar a un narco local que sería el supuesto asesino. Pero lo cierto es que la investigación en sí no es lo más importante del film, sino todo lo que pasa alrededor de la vida de este policía.

Para quienes crean que esta es una especie de remake o continuación del Bad lieutenant de Abel Ferrara con Harvey Keitel, les aclaro que no. El único punto en común entre ambos filmes (además del título) es que su protagonista es un policía adicto y corrupto. Pero mientras que aquella era una película dramática y oscura, cargada de culpa, esta es más bizarra, con un rebuscado sentido del humor y carente del pesado intento de redención por parte de su personaje central. Que tengan el mismo título se debe a que ambos filmes son de los mismos productores, y quisieron sacar provecho de esto. Pero es una lástima, en mi opinión, ya que le quita cierta entidad a este film que tiene sus méritos por derecho propio.
La historia comienza en la New Orleans post Katrina. Una ciudad arrasada, casi en ruinas. Y aunque la película no hace tanto hincapié en la situación de la ciudad, sí utiliza este deprimente escenario como fondo de su relato. McDonagh, al igual que la ciudad, está bastante deshecho. Tolerando una lesión de espalda que le obliga a tomar calmantes de por vida, y que le hace caminar ligeramente torcido, se comprometerá primero de manera casi personal con la investigación, hasta que las caóticas circunstancias de su vida privada vayan desviando su camino cada vez más.

Debo aclarar que Bad lieutenant es una película bastante extraña, con un estilo muy personal. Su director es Werner Herzog, casi mítico realizador alemán reconocido, entre otras cosas, por sus filmes con Klaus Kinski, actor que estaba mucho más chiflado que Cage. La peli, que podría definirse como un drama policial, por momentos se convierte en una comedia muy oscura, y que requiere de un sentido del humor particular para ser disfrutada. Especialmente cómicas son las formas en las que Cage trata de hacerse de toda la droga que pase ante sus ojos. O sea, si bien la historia es deprimente y sórdida, la película nunca nos hace sentir tristes con lo visto. Pero no se vale para esto de un humor cool a lo Tarantino. En ese sentido es más bizarra. Y de hecho tiene un par de escenas que simplemente se pueden calificar de "extrañas", como las tomas de las iguanas...
Creo que el disfrute de la película va a pasar mucho por la tolerancia que se tenga de Cage, quien aparece prácticamente todo el tiempo. Como dije, es un actor que soporto poco, pero en este caso su estilo de actuación concuerda con el tono del film. Y si bien hay momentos donde se va un poco de mambo, su actuación es intensa y, como señalé, divertida. Pero ojo, hay que bancárselo... También es bueno el aporte de Eva Mendes como su novia, además del colorido reparto.

Bad lieutenant es un film inusual, por momentos desconcertante, pero siempre interesante. Y que sirve para recordar que Nicolas Cage, bajo las circunstancias correctas, puede rendir mucho. Ya lo había demostrado en Leaving Las Vegas (1995) y Adaptation (2002). ¿Será sólo cada siete años que el tipo hace cosas interesantes? Bueno, veremos qué hace en el 2016. Entretanto, seguramente hará 4 ó 5 pelis con Michael Bay. Él, como el personaje, también tiene que pagar varias deudas, parece.

Un maldito policía en New Orleans se estrena en Argentina el jueves 4 de marz0.

Al filo de la oscuridad

2010-02-17T22:13:00.030-03:00

Título original: Edge of darkness (USA/UK, 2010) / Dirección: Martin Campbell / Elenco: Mel Gibson, Ray Winstone, Danny Huston, Bojana Novakovic / Duración: 117 minutos

Parece mentira, pero hacía ocho años que Mel Gibson no protagonizaba un film (Señales, 2002). Desde entonces, dirigió dos películas y se vio envuelto en algunos escándalos que modificaron la percepción que parte del público tenía de él. Dejó de ser una de las estrellas más queridas mundialmente para convertirse en un director de cine polémico pero valioso, cuyos problemas personales y desafortunadas expresiones ideológicas empañaron su trabajo artístico. Pero dicen que el tiempo cura las heridas, y Mel decidió que era el momento de volver a la pantalla. Si de hecho lo era, no lo sé. De lo que sí estoy bastante seguro es de que el film elegido para su regreso no fue el más feliz. No por su temática, sino por su calidad.

En Edge of darkness Gibson es Thomas Craven, un policía veterano que recibe la visita de su única hija, de 24 años, quien vive en otra ciudad. Pero, a las pocas horas de arribada, ella es asesinada brutalmente en la puerta de la casa de su padre. Lo que sigue es la investigación que comenzará Craven para encontrar a los responsables del crimen y para descubrir los motivos que se esconden detrás del asesinato.

Para empezar, les quiero sacar las ilusiones a quienes esperen una película de venganza violenta y acción frenética en la onda de Búsqueda implacable. En aquella, Liam Neeson interpretaba a un ex agente especial cuya hija era secuestrada en Francia por tratantes de blancas. Y el tipo usaba todos sus métodos y recursos, que incluían más que nada la violencia, para encontrarla. Aquí es distinto. El personaje de Gibson es alguien con una indudable sed de venganza, pero que inicia una investigación de tipo policíaca, siguiendo pistas y entrevistando por cuenta propia a los allegados a su hija. Si bien hay un par de escenas de acción, la película va más por el lado del drama, la intriga y la denuncia (la empresa para la que trabajaba la chica se dedica a la investigación nuclear y tiene dudosas conexiones con el gobierno). Desde ya, que el film vaya por ese lado no tendría nada de malo si no fuera porque en casi ningún momento logró interesarme. En este sentido, las "culpas" las comparten el guión, la dirección y el protagonista.
La película está basada en una laureada miniserie inglesa de tv de los años 80. No vi esa serie, también dirigida por Martin Campbell, pero imagino que era mucho mejor que la película. Aquí, Campbell (responsable de la excelente Casino Royale) no logra generar un vínculo muy sólido entre Craven y su hija como para que nos enganchemos con la historia desde el comienzo. A los diez minutos de película la chica ya está muerta, y lo que sigue no ayuda mucho para que nos interesemos. El recurso de Gibson teniendo intercambios imaginarios con su hija, especialmente de pequeña, conmigo al menos no funcionó. Y la trama alrededor de las causas del asesinato no me intrigó mucho.

Tampoco ayuda el protagonista. Volviendo a la comparación con Búsqueda implacable (que igualmente no es un peli que me haya encantado), allí el principal era Liam Neeson, un actor excelente que da profundidad y credibilidad a sus personajes. Gibson, en cambio, es menos dúctil. Y en este caso en particular su actuación me pareció más floja que nunca. Es una percepción mía, pero no logró transmitirme casi nada. Y eso que hablamos de un personaje que perdió a su única hija, así que hay bastante para transmitir. Otra cosa, rara: no sé si era la copia en que vi la peli (era una función para prensa, así que era de buena calidad) pero la voz de Mel me sonaba muy nasal. ¿Será a propósito para el personaje? ¿Serán los años? ¿Estará viejito herr Mel? Qué se yo... Como dije: raro.
La película tiene algunos momentos en que levanta, pero son pocos. Entre esos momentos están los que aparece Ray Winstone, ese gran actor británico que aquí hace de Jedburgh, un especialista en seguridad que trabaja para el gobierno de USA, cuya tarea es la de "limpiar" los platos sucios y atar los cabos sueltos. Y que logra una relación especial con Craven. En las escenas en las que aparece Winstone, que lamentablemente no son muchas, la calidad del film se eleva. Incluso la actuación de Gibson mejora a su lado... Otro buen actor, desperdiciado, es Danny Huston, quien hace del capo de la empresa. Un típico malvado corporativo.

En fin, nada nuevo bajo el sol. Para padres vengativos, recomiendo ver The Limey, muy buen film de Steven Soderbergh con Terence Stamp. En cuanto a Gibson, creo que ha demostrado ser un director muy interesante. Y creo también que una buena parte del público no tiene ganas de verle mucho la cara. Y que el carisma que alguna vez tuvo ya no funciona tanto. Tal vez en los años venideros, Gibson reconozca esta situación y se dedique a lo que mejor hace. Atrás de cámaras. Y lejos de los micrófonos.

Al filo de la oscuridad se estrena en Argentina el 25 de febrero.

Tierra de zombies

2010-02-10T21:47:00.017-03:00

Título original: Zombieland (USA, 2009) / Dirección: Ruben Fleischer / Elenco: Woody Harrelson, Jesse Eisenberg, Emma Stone, Abigail Breslin / Duración: 88 minutos

Admito que en los últimos años me he vuelto bastante adepto a las historias de zombies. No sé realmente el motivo. Tal vez deba hablarlo con mi analista... Lo cierto es que el cine le sigue encontrando vueltas de tuerca a este subgénero. Y eso me pone contento. Zombieland, con su original enfoque y retorcido sentido del humor, es una clara muestra.
El protagonista de la historia es Columbus (Jesse Eisenberg), un joven timorato que, gracias a su estricto código de reglas, consigue sobrevivir en un mundo apestado por zombies. Un día se cruza en su camino Tallahassee (Woody Harrelson) un tipo recio y solitario que, medio a regañadientes, acepta la compañía del joven. Ambos luego se encontrarán con un par de chicas (la ascendente Emma Stone y la Little Miss Sunshine Abigail Breslin) que son menos inocentes de lo que parecen. En suma, se conforma el típico grupo desparejo de esta clase de films. Personajes que primero desconfían los unos de los otros, pero que luego se van conociendo y estimando. Lo que sigue es el recorrido que realizan para llegar a un supuesto lugar seguro, libre de mutantes. Desde ya, en el camino irán encontrando problemas varios.

Como se verá, no hay nada en la historia que parezca muy original. Pero lo que hace de Zombieland una experiencia tan entretenida es el modo en que está narrada. Ya desde el principio la peli es diferente, con Columbus contando en off sus reglas esenciales para sobrevivir en un mundo de zombies. Reglas que hacen hincapié en algunos tópicos básicos de este subgénero, pero de una forma muy original. La película es una comedia de terror, aunque miedo sea lo que menos cause. Tal vez no posea el ingenio ni sutileza de Shaun of the dead, pero tiene un humor más salvaje (lo que es lógico, siendo aquella inglesa y ésta yanqui). Y tiene a un Woody Harrelson en plenitud, componiendo a uno de esos brutos simpáticos que tan bien le salen. Y posee un gran cameo que, si bien ya lo deschavaron en varios medios, prefiero no develar. Además, tiene algo que me gusta de las películas de zombies, y es que no se busca explicar las causas de lo que sucede. Sólo sabemos que el mundo está lleno de zombies. Punto. Y mucho menos busca reflexiones ni analogías con el mundo real, con la política, con la sociedad... Es una película que juega con el género, nada más. Ni nada menos. Ah, y es cortita.

Zombieland no será extraordinaria, pero está buena. Una justa mezcla de humor, tripas y sangre. Y parece que ya está en camino la continuación. Así que los fanáticos de los fiambres vivientes seguiremos disfrutando. ¡Larga vida a los muertos!

Vivir al límite

2010-02-02T20:00:00.000-03:00

Título original: The Hurt Locker (USA, 2009) / Dirección: Kathryn Bigelow / Elenco: Jeremy Renner, Anthony Mackie, Brian Geraghty, Guy Pearce, Ralph Fiennes, David Morse, Evangeline Lilly / Duración: 131 minutos

Ah, el difícil arte de criticar… ¿Cómo hago para explicarles que la película más elogiada del año en USA (ver aquí), a la cual muchos especialistas norteamericanos señalan como una de las mejores de la última década, y que acaba de ser nominada a 9 premios Oscar me haya decepcionado? Es fácil, en realidad. Esto es cine, y todos tenemos la razón a la hora de opinar. El arte, realmente, no puede cuantificarse (por ello estoy pensando en dejar de lado mis queridos “Damiancitos”). En la mayoría de los casos, las causas que llevan a que alguien aprecie más o menos una obra son difíciles de explicar, porque están relacionadas a lo emocional. Aunque también muchas veces hay motivos racionales e ideológicos que entran en juego. Creo que este es el caso.

The hurt locker narra el día a día de un escuadrón del ejército norteamericano especializado en desactivar explosivos. El film sucede en Irak, aunque la película no se ocupa de hacer referencias muy específicas sobre el conflicto en sí. El protagonista principal es el sargento William James (Jeremy Renner), un arriesgado especialista que constantemente parece desafiar lo que el sentido común, e incluso las reglas del ejército, dictan. Esto hace que sus dos nuevos compañeros (en realidad James se suma al escuadrón en reemplazo de otro especialista), lo vean con recelo y hasta como una posible amenaza. Así, los días irán pasando de misión en misión, cada una más estresante que la anterior.

Antes que nada, quiero dejar en claro que la película no me pareció “mala”. Al contrario, creo que posee altos valores de producción. La dirección de Kathryn Bigelow es realmente tensionante. Logra poner al espectador en la piel de los soldados en medio de un escenario hostil en el que nunca se sabe quién es aliado y quién enemigo. Mucha cámara en mano, mucho vértigo, mucho impacto visual. Dado este estilo de filmación, es también de elogiar el trabajo de Renner, quien logra una intensa actuación a base de actitudes, gestos y reacciones en situaciones en las que se toman decisiones de vida o muerte en cuestión de segundos. En realidad, todo el elenco brinda buenos trabajos. Y, desde ya, todos los aspectos técnicos del film (sonido, edición, fotografía) son excepcionales.
Ahora bien, vayamos a lo que a mí (lo subrayo porque me parece importante) me ocurrió con el film. Primero, me costó mucho identificarme con los protagonistas. Entiendo que un norteamericano sienta empatía con estos soldados que arriesgan su vida a miles de kilómetros de su hogar. Pero yo no puedo evitar sentir cierto rechazo hacia estos tipos vestidos de verde apuntando sus armas y gritándole a cualquier civil iraquí que les parezca sospechoso. Entiendo la naturaleza peligrosa de la situación, pero desde el vamos no puedo dejar de lado mi percepción de los hechos. Además, el personaje de James llega al colmo de lo temerario, y sus actitudes nunca terminaron de tener para mí una explicación satisfactoria.

La película no emite juicios de valor acerca del conflicto (esto no es inherentemente malo). De hecho, parece estar interesada en un enfoque más general sobre la naturaleza humana, la cual hace que a veces realicemos acciones que van más allá de cualquier lógica. De allí que el film comience con la frase “La guerra es una droga”. El propósito de la película es, entonces, meternos en un mundo en el que los hombres actúan siguiendo su necesidad de adrenalina, y no su raciocinio. Esto no deja se ser interesante, y la película realmente hace justicia a esta adrenalina, pero yo no pude dejar de sentirme alejado emocionalmente de esta idea y del protagonista. Por ello, sin importar lo bien dirigido que esté el film ni lo bien que esté Renner en su papel, no logré que la historia se meta bajo mi piel.
Por otro lado, el guión está estructurado a través de lo que ocurre en distintos días. Así, se podría dividir la trama en cada una de las situaciones que los protagonistas deben atravesar. Todas situaciones ejecutadas de manera experta, como dije. Pero que tampoco me ayudaron a que dramáticamente el film me aportara mucho ni fuera creciendo con el paso de los minutos. Para colmo, el único momento en que los tres hombres generan una especie de vínculo personal, lo hacen totalmente borrachos y comportándose como el típico soldado americano: jugando a darse trompadas. Para alguien que aborrece las doctrinas (religiosas o militares) este tipo de comportamientos me parecen ridículos, así que tampoco hubo afinidad por ese lado.

En fin. Sinceramente, le pongo puntuación al film porque lo tengo como costumbre, pero hace rato que me vengo replanteando esto de dar puntajes. Creo que le da al comentario un anclaje que tal vez no sea del todo ilustrativo. En este caso, con mi reseña quise dejar bien en claro las causas que llevaron a que yo no pudiera disfrutar de esta película como sus niveles de realización ameritarían. No tengo dudas que muchísima gente va a poder apreciar la adrenalina que el film tan bien transmite. Y me parece fantástico que así sea. Y ojo que yo soy uno de los primeros en defender este tipo de cine. Pero en este caso, algo me pasó. Algo me alejó. Espero que les haya quedado claro qué fue, para que cuando vean la película no se pregunten “¿Cómo mierda no le gustó a Damián este peliculón?” Simple. Esto es cine, queridos amigos. Y todos tenemos la razón.

The hurt locker se estrena en Argentina el 4 de febrero.

Invictus

2010-01-27T20:32:00.009-03:00

Título original: Invictus (USA, 2009) / Dirección: Clint Eastwood / Elenco: Morgan Freeman, Matt Damon / Duración: 133 minutos

A esta altura discutir las capacidades y cualidades de Clint Eastwood como realizador es casi ridículo. Sus señas particulares como director de cine son tan claras que no tiene sentido criticarle sus supuestas faltas ya que son justamente ellas las que forman parte de su estilo único.

Invictus relata la forma en la que el flamante presidente Nelson Mandela intentó unificar a través del rugby a una Sudáfrica dividida. La alicaída selección nacional, conocida como Springboks, era el emblema de la Sudáfrica blanca. El deporte negro, en cambio, era el fútbol. La gente de color incluso hacía fuerza en contra de los Springboks en los partidos. Pero Mandela entendió que para lograr el seguimiento de la minoría blanca era indispensable que él demostrara su apoyo incondicional a la selección, más estando a las puertas de la copa mundial que estaba por desarrollarse justamente en su país, en 1995. Con esta actitud, Mandela buscaba también lograr que los negros siguieran su ejemplo y dejaran de lado el rencor hacia aquellos blancos que los habían oprimido tantos años. Para que este plan tuviera el mayor de los efectos, era necesario que los Springboks ganasen la competencia, algo que era bastante dudoso dado el pobre presente de la selección. Pero Mandela puso todas sus energías en contagiar su entusiasmo a los jugadores, en especial al capitán del equipo, en pos de lograr este objetivo.

Como dije, Eastwood es un director que tiene características propias muy marcadas que ya forman parte de su estilo, si bien son rasgos que más de uno podría criticarle. La simplificación de los conflictos es uno de ellos. Aquí, reduce toda la problemática sudafricana a la resolución de una contienda deportiva. Si bien la peli está basada en una historia real, parece improbable que blancos y negros llegasen a olvidar aquello que los dividiera sólo gracias al rugby. Son diferencias culturales y políticas muy grandes, y que sin dudas llevaron al derramamiento de mucha sangre, como para que se limasen tan fácilmente. La película se esfuerza en mostrar a Mandela como un ser magnánimo, que a pesar de haber sufrido años de encierro, entiende que para mirar hacia el futuro debe perdonar el pasado. Un concepto más que discutible, sin dudas. Pero uno que tal vez haya sido realmente impulsado por la naturaleza conciliadora de Mandela, aunque aquí el personaje aparezca por momentos exageradamente idealizado.
El tema de la utilización del deporte como medio de unión nacional también es digno de ser discutido. No sólo por la simplificación que implica, sino porque el deporte ha sido históricamente utilizado por los gobiernos de turno para manejar los humores del pueblo. Y si bien en este caso el objetivo es noble, no deja de ser una concepción polémica: el manejo de un juego para dirigir, o distraer, la realidad de un país.
Pero, si uno deja de lado toda la disquisición ideológica, se encontrará con los otros rasgos propios de Eastwood que lo hacen tan valioso como realizador. La forma en que Clint lleva sus películas es genial desde lo narrativo. Desde un principio sabemos hacia dónde va la historia, cuál es el conflicto principal, cuáles los intereses de cada personaje. Y en ningún momento el film se desvía de su firme andar hacia su conclusión.

Las actuaciones son todo lo buenas que uno podría esperar. Morgan Freeman le otorga a su Mandela toda la presencia, serenidad y porte a los que nos tiene acostumbrados. Es otra perfecta entrega de uno de los grandes actores de los últimos años. Matt Damon, ensanchado físicamente para este film, da una muy correcta actuación como Francois Pienaar, el capitán del equipo, quien a pesar de venir de una crianza típicamente racista, cae subyugado por la convocatoria de Mandela y se encolumnará como el símbolo de la causa impulsada por el presidente.
En conclusión, aquellos que decidan que el estilo de Eastwood es criticable (situaciones simplificadas, personajes secundarios unidimensionales, lugares comunes) tendrán aquí bastante para sentirse molestos. Por el contrario, quienes valoren la maestría narrativa de Clint, van a disfrutar de un film irreprochable en ese sentido. Digamos que yo estoy a mitad de camino… Pero, por otro lado, es difícil atacar a una película que tiene tan buenas intenciones y que busca transmitir un mensaje realmente positivo. Tal vez los medios de Eastwood no sean los ideales, pero el tipo lo hace con el corazón. Así que dejémoslo a Clint un poco tranquilo. No cualquiera sigue filmando con esta energía a los ochenta pirulos. Eso hay que valorarlo.

Invictus se estrena en Argentina el 28 de enero.

Greenberg: ¿un cambio de rumbo para Ben Stiller?

2010-01-25T14:44:00.014-03:00

Greenberg es la nueva película de Noah Baumbach, director de The squid and the whale y co-autor de The Life Aquatic, de Wes Anderson. Ben Stiller es el personaje del título, un amargado cuarentón que aun no ha encontrado un rumbo en su vida. Hablando de rumbos, sería bueno que este film marque un cambio para Stiller, quien ya hizo de pobre infeliz en comedias mediocres demasiadas veces. El trailer da esperanzas de que así sea, aunque nunca se sabe.
También actúan Rhys Ifans y Jennifer Jason Leigh (co-autora de la historia).
Tiene fecha de estreno en USA para el 26 de marzo.

¿Qué pasó ayer?

2010-01-14T18:14:00.019-03:00

Título original: The Hangover (USA, 2009) / Dirección: Todd Phillips / Elenco: Bradley Cooper, Ed Helms, Zach Galifianakis, Justin Bartha, Heather Graham, Jeffrey Tambor / Duración: 100 mins.

Una de las comedias más exitosas y sorpresivas del año que acaba de pasar, The Hangover demuestra que no siempre se necesitan millones y grandes estrellas para atraer al público. Ni siquiera premisas novedosas: cuatro amigos se van de fin de semana a Las Vegas para festejar la despedida de soltero de uno de ellos. Pero al día siguiente del reviente, se despiertan en la habitación del lujoso hotel no sólo con una gran resaca, sino con la sorpresa de que el agasajado está desaparecido. Para colmo, ninguno recuerda absolutamente nada de la ocurrido la noche anterior. En estas condiciones, saldrán a la búsqueda de su amigo perdido, con la urgencia extra de que la boda es al día siguiente.

Cuando una película relativamente chica y sin estrellas resulta un gran éxito, es obvio que el boca a boca tiene mucho que ver. Y esta comedia tuvo una gran acogida del público. Lo cierto es que es realmente graciosa, y no se queda en la mera comedia de reviente de despedida de soltero. Hay gags y situaciones muy logradas, si bien tampoco estamos ante una obra de arte de la comicidad. Todd Phillips ya había dirigido una película que a mí me gusta mucho, Old School, con Will Ferrell, Vince Vaughn y Luke Wilson; y también realizó Starsky & Hutch, con Ben Stiller y Owen Wilson; y antes de éstas, Road Trip. O sea, el tipo tiene claro para donde va su cine. Y no lo está haciendo nada mal. Si bien sus filmes podrían etiquetarse en el subgenéro de "comedia tonta", se destacan por la buena construcción de los personajes y por una tendencia a la comedia extrema, aunque sin llegar a ser vulgar. Y aplicando ciertas dosis de ingenio.
La peli me hizo acordar un poco a Después de hora, de Scorsese. No por la temática ni el estilo, sino por eso de que los protagonistas se van cruzando con toda clase de personajes en el transcurso de pocas horas. Entre esos seres se encuentra incluso Mike Tyson, quien realiza un muy buen cameo haciendo de él mismo. De los protagonistas se destaca el personaje de Alan, el cuñado del novio. Un gordito de barba que es indescifrable. Por momentos lento, por otros despistado, por otros medio degenerado. Es una especie de nene con barba. Y Bradley Cooper, el más pintón del grupo, es un actor en ascenso a quien se verá dentro de poco haciendo de Faz en la versión de cine de Brigada A. Pero como dije, aquí no hay estrellas ni grandes comediantes. Pero sí una peli simpática, graciosa e ingeniosa.

Ojo, es una película para pasar el rato. No crean que van a ver un film inolvidable. Ni siquiera una gran comedia. Si van con esa idea, van a putear. Pero para un viernes a la noche, o domingo a la tarde nublado, garpa. Y no deja resaca.

Brüno

2010-01-05T00:05:00.003-03:00

Título original: Brüno (USA, 2009) / Dirección: Larry Charles / Elenco: Sacha Baron Cohen, Gustaf Hammarsten / Duración: 81 mins.

Brüno marca el regreso protagónico de Sacha Baron Cohen a la pantalla grande luego de su mega éxito Borat. Es un film aun más crudo y vulgar, pero menos gracioso y original que el anterior. Para quienes encuentren placer en el humor de trazo grueso, hay bastante para disfrutar. Aquellos que sean más delicados, mejor que se abstengan.

Cohen da vida al personaje del título, un presentador austríaco que conduce el show televisivo sobre moda más popular de los países de habla alemana (salvo Alemania). Pero debido a un desafortunado incidente en un desfile Brüno es despedido del programa, con lo que se le cierran las puertas del mundo de la moda. Entonces, decide viajar a los EEUU con el objetivo de convertirse en una celebridad. Dispuesto a todo, recurrirá a distintos métodos y personajes para buscar fama inmediata.

El estilo de Brüno es prácticamente el mismo que el de Borat. O sea, insertar al personaje en medio de situaciones incómodas buscando la reacción de las personas involucradas, todo filmado cámara en mano, a la manera de un reality show o de una cámara oculta. Hasta qué punto lo visto aquí es realmente improvisado va más allá de mi conocimiento. Lo que es indudable es que el antecedente de Borat le resta frescura a este recurso. Al igual que en aquella, Cohen se mete con grupos que son blanco fácil para la parodia o la reacción (fanáticos religiosos, homofóbicos, rednecks -sureños brutos de USA-, afroamericanos, líderes políticos de Medio Oriente, etc). O sea, busca reacciones de gente que es por naturaleza reaccionaria. Por otro lado, la historia central es muy similar a la de Borat, en especial la relación del personaje con su asistente y la eventual caída en desgracia. En definitiva, el factor sorpresa queda disminuido.

A pesar de todo, debo admitir que muchas partes de la película me resultaron muy graciosas. Como dije, en líneas generales el humor es bastante directo y vulgar (me niego a utilizar el término "políticamente incorrecto"). De hecho, creo que el mayor mérito de Cohen es el de no ponerse límites. Debe ser el cómico mainstream más radical en su propuesta (sólo se me ocurre South Park en el mismo nivel), aunque en algunos momentos su humor no parezca estar muy alejado del visto en los programas de Marcelo Tinelli. Pero por debajo de su comedia sensacionalista existe una mirada irónica y crítica de la sociedad actual, que queda algo relegada frente al impacto de algunas cosas vistas y escuchadas aquí.
En conclusión, recomiendo ver Brüno sin grandes expectativas y con las salvedades del caso. El que se rió con Borat, seguramente disfrutará esta película. Así de simple. Una hora y pico de humor (bien) guaso y un poco tonto, pero con algo de seso.

500 días con ella

2009-12-29T00:15:00.004-03:00

Título original: (500) days of Summer (USA, 2009) / Dirección: Marc Webb / Elenco: Joseph Gordon-Levitt, Zooey Deschanel, Geoffrey Arend, Clark Gregg / Duración: 95 mins.

Entre todas las comedias románticas insulsas y prefabricadas que vienen de USA, cada tanto, aparecen algunas que marcan la diferencia. Cuando Harry conoció a Sally, Alta Fidelidad y Eterno resplandor de una mente sin recuerdos son muestras de que se nos puede contar una historia de amor de manera distinta. (500) days of Summer tal vez no esté a la altura de las nombradas, pero es una comedia romántica que se destaca por la originalidad con la que está planteada y narrada. Y si bien su historia central no cuenta nada nuevo, el modo en que disecciona los sinsabores de una relación amorosa y las observaciones que hace sobre sus idas y vueltas la ponen en un plano diferente.

Desde el comienzo el film nos aclara que veremos una historia de chico-conoce-chica, pero no una historia de amor. De hecho, es más una historia de sufrimiento que de amor (aunque ambas cosas van de la mano). Tom es un pibe tímido que un día conoce a Summer, la nueva empleada de la empresa de tarjetas en la que trabaja. Primero atraído por la apariencia física, Tom hará todo lo posible por llamar su atención. Cuando finalmente lo logra, descubre que ella es más que una cara bonita y, a pesar de que Summer le advierte desde un principio que no quiere meterse en una relación seria, Tom no podrá evitar engancharse con esta chica que parece ideal para él. Desde allí veremos el devenir de su relación, pero no cronológicamente, sino yendo y viniendo en el transcurso de los 500 días del título.

Lo mejor de la película está en ese modo de encarar una historia de manera no lineal, lo que logra hacer más interesante algo que de otra forma tal vez no lo sería tanto. Este recurso permite contraponer de manera original las distintas etapas de la relación, dando lugar a algunas conclusiones valiosas e infrecuentes. Además el film nos muestra el crecimiento de su protagonista masculino, quien deja atrás la incomprensión y el despecho cuando logra hacer un análisis de su propia conducta y descubre que, a veces, sólo vemos lo que queremos ver.
Si hay que marcarle a la película una flaqueza es que no vaya mucho más allá de su eficaz narración. O sea, es más interesante el "cómo" que el "qué". Además, por momentos el film da la sensación de creerse más cool y simpático de lo que realmente es (la narración en off no me cerró del todo). Y la utilización de músicos indies o de culto, no sólo en la banda de sonido sino también como referentes de los protagonistas (por ejemplo, The Smiths), a esta altura ya es una especie de lugar común del cine independiente norteamericano. Pero más allá de estas observaciones, hay que concluir que el novedoso enfoque y las situaciones que el film plantea permiten mantener el interés, dejando un saldo más que positivo.

Las actuaciones de los protagonistas son irreprochables. Joseph Gordon-Levitt lleva el mayor peso emocional de la trama, ya que su personaje es quien está sentimentalmente más comprometido con la relación. El joven actor (ya un veterano a sus 28 años) transmite con absoluta credibilidad las distintas situaciones emocionales que atraviesa su personaje (alegría, confusión, desazón, aceptación). Zooey Deschanel tiene menos posibilidades de lucirse, mayormente porque el film no está tan interesado en mostrarnos su interior (la perspectiva principal del relato es la de Tom). Pero Deschanel consigue que Summer sea un personaje interesante gracias a su simpatía, su inherente inteligencia y su peculiar carisma.
En conclusión, (500) days of Summer es una comedia muy recomendable, en la que el plato que se nos entrega es mucho más sorprendente por su presentación que por sus ingredientes. Pero cuyo gusto se queda con nosotros un buen rato. Tal vez sea un gusto un poco más amargo que el de muchas comedias románticas, pero es más interesante y, en definitiva, realista. Porque aquel que no sepa que el amor es el más agridulce de los platos, que se vaya enterando. Esa es una lección que todos los Tom del mundo ya tenemos bien aprendida.

Pintó la vagancia

2009-12-22T18:58:00.005-03:00

Como habrán notado (o tal vez no) estoy medio vago para postear cosas. En realidad, es un mix de vagancia, falta de ideas y de tiempo. Pero bueno, es fin de año. Todos estamos bastante quemados. Prometo volver a mis interesantísimos textos en breve. Por ahora, les dejo el trailer nuevito de Ironman 2, peli que espero con bastantes ansias y que pinta más que bien.

¡Fancinema Revista llegó a Capital Federal!

2009-12-09T20:34:00.011-03:00

Este sábado a las 19 hs tendrá lugar la presentación oficial de Fancinema Revista en la Ciudad Autónoma de Bs As. Así es, esta locura marplatense impulsada por el sr. Mex Faliero llega a la jungla de asfalto, a los pagos de Macri, Rodríguez Larreta y otros tantos personajes notables... Para quienes no lo sepan, esta revista, que se materializó en agosto de este año, es una extensión del sitio web Fancinema. Pero mientras que el site abarca los estrenos semanales en las salas de cine, la revista cubre las novedades de cada mes en DVD (la bonita imagen que ilustra este posteo pertenece a la tapa del número de diciembre). La intención es la de acercar una mirada analítica y comprehensiva de los filmes estrenados en los videoclubes. Y yo tengo el orgullo de formar parte de ambos proyectos, gracias a la gentil invitación de sus impulsores.

Lo sitios en los que, por ahora, se consigue la revista en Capital son:

-Master (Av. Rivadavia 4654)
-DVD para todos (Av. Independencia 3764)
-Film City-DVD Club (Junín 1136)

La cita de la presentación es entonces este sábado 12, a las 19 hs, en el bar Profondo Rosso, Humahuaca 3853, lugar donde también se podrá adquirir habitualmente Fancinema Revista. No prometemos sorteos ni números de baile, pero sí varias incoherencias y algún que otro disparate, en especial si alguien nos invita una cerveza.

¡Los esperamos!

Moon

2009-12-01T00:01:00.000-03:00

Título original: Moon (Inglaterra, 2009) / Dirección: Duncan Jones / Elenco: Sam Rockwell, Kevin Spacey / Duración: 97 mins.

Cuando hace unos meses vi el trailer de Moon por primera vez, inmediatamente presentí que iba a ser una película especial. Y me alegra comprobar que mis expectativas no fueron infundadas. Es realmente un gusto cuando aparecen filmes de ciencia ficción originales y carentes de toda la parafernalia y ridiculez típicas hollywoodenses.

La peli tiene lugar en el futuro, cuando la Tierra vive una etapa de recuperación energética gracias a la utilización de helio 3 obtenido de la Luna. Sam Bell (Sam Rockwell) es un astronauta que maneja una base lunar desde la que monitorea a tres enormes vehículos encargados de extraer el helio del suelo de nuestro satélite natural. La tarea no es fácil, ya que su único acompañante durante los tres años que dura la asignación es Gerty (voz de Kevin Spacey), una amigable pero obviamente fría computadora (que rememora inmediatamente a HAL, de 2001). Mientras tanto, Sam pasa sus días como puede: haciendo maquetas, cuidando plantitas, corriendo en la cinta, etc. El único contacto que tiene con sus familiares, y con cualquier otro humano, es mediante grabaciones en video que le llegan cada tanto ya que la comunicación en vivo con la Tierra se encuentra imposibilitada por problemas satelitales. La vida en la base, entonces, es rutinaria y muy solitaria. Pero cuando a Sam le faltan sólo dos semanas para regresar a casa, un suceso inesperado sacude su existencia en más de un sentido, obligándolo a plantearse cuestiones que jamás habría pensado.

Es imposible contar más de la trama sin entrar en detalles que podrían arruinar las sorpresas al espectador. Lo que sí se puede decir es que Moon es un film de ciencia ficción inteligente y adulto, de esos que lo dejan a uno pensando y de los que, lamentablemente, no hay muchos en estos tiempos. El director debutante Duncan Jones (hijo de David Bowie) maneja de manera notable los tiempos del film, con una narración morosa pero segura, logrando que nos interesemos realmente por lo que le ocurre a su protagonista. Esto también es en gran parte gracias a Sam Rockwell, quien brinda tal vez el mejor trabajo de su carrera. Presente en prácticamente cada cuadro del film, Rockwell está mucho más medido que de costumbre (Jones tiene mérito en esto) y alcanza momentos de gran intensidad dramática. Lo que se dice, un verdadero tour de force.
El film está admirablemente realizado con un presupuesto modesto, y posee altos valores de producción en todo sentido. La música, a cargo de Clint Mansell, es uno de esos puntos sobresalientes, ayudando a generar las intrigantes atmósferas de la película. Lo único que puede decepcionar un poco es la resolución de la historia, cuya naturaleza existencialista tal vez hacía esperar alguna conclusión mas "trascendente" o menos explícita. Esto, de todas formas, no alcanza para restarle méritos a este excelente film, aunque sí para que no llegue a la posible categoría de clásico.

Tal vez Moon no alcance las alturas (o profundidades) de un film como 2001, pero entre tanto Emmerich y Bay dando vueltas, es más que saludable poder disfrutar de una película pensante que no basa su propuesta en los efectos especiales y las explosiones, sino en el guión, la dirección y la actuación. Eso solo la convierte en una de las películas más recomendables del año. Y tengo la impresión de que es uno de esos filmes que van decantando. Sus imágenes todavía siguen rondando en mi cabeza, y no creo que se vayan por un buen tiempo. De hecho, en un par de meses tal vez le agregue algún Damiancito más...
En Argentina ya se vio en el Festival de Cine de Mar del Plata. No sé cuándo se estrenará comercialmente.

Películas perdidas de mi niñez

2009-11-25T00:05:00.002-03:00

Un reciente posteo de GH sobre su fascinación de niño por Godzilla me disparó una miríada de recuerdos sobre las pelis que me encantaban de pendejo. Así que decidí nombrar las que fueron apareciendo ahora en mi memoria. Es como un "top of mind" de mi infancia.

Mis primeros recuerdos de ir físicamente al cine son del autocine, en realidad. Me acuerdo de haber visto allí Flash Gordon, la que tenía música de Queen. Y otra llamada Condorman, de la que no recuerdo nada. Yo tendría unos 4 años. Luego comenzaría el auge del video, así que muchas pelis las vería en casa.
Si hablamos de comedias, había un par dirigidas y protagonizadas por Gene Wilder que me mataban: El hermano más listo de Sherlock Holmes y El mejor amante del mundo. Eran boludas, pero medio bizarras y divertidas. Y actuaban grandes de la comedia como Marty Feldman y Dom DeLouise. Burt Reynolds era otro favorito mío de aquellos años. Su saga de Bandido (Smokey and the Bandit) era lo más. También su película Hooper, una sobre un doble de riesgo, con el "desaparecido" Jean-Michael Vincent. Y después Los Locos del Cannonball, aunque ésta era mucho más pedorra. También puedo nombrar las de los hermanos Zucker, como ¿Dónde está el piloto? y Top Secret, las de Bud Spencer y Terence Hill y, tengo que admitirlo, las de Olmedo y Porcel.
Por el lado de la ciencia ficción me queda el recuerdo de La guerra de los mundos, La máquina del tiempo (con Rod Taylor), La tierra que el tiempo olvidó (con Doug McClure -no confundir con Troy-), Westworld (con Yul Brynner como un vaquero androide), The Omega Man (con Charlton Heston, basada en el libro Soy Leyenda).
Películas de terror que me marcaron: Aullidos, que tenía una transformación de hombre lobo que me cagaba en las patas; La hora del vampiro, una miniserie de TV basada en la novela de Stephen King, con el vampiro más horrible de la historia. También recuerdo el Drácula de Jack Palance... Uy, Scanners... ¡Qué julepe cuando Michael Ironside le hizo explotar la cabeza al otro vago!
También vi mucho cine catástrofe: La aventura del Poseidón, Terremoto, Infierno en la torre, Aeropuerto...
Y después filmes para llorar. El globo rojo, de la que sólo me acuerdo que había un globo rojo; y una española de un pibe que se llamaba Toby, al que le salían alitas de ángel...
En fín, pelis que vi de chico, que recuerdo con cariño ya que fueron cimentando mi amor por el cine, que se afianzaría luego en la adolescencia. Desde ya, no nombro muchos clásicos o filmes más conocidos que también vi (¿para qué mencionar Star Wars o ET?). En este posteo algo inconexo sólo quería nombrar estas pelis que surgieron en mi memoria, y que me parece que no son tan conocidas en su mayoría.
¿Ustedes recuerdan películas perdidas de su niñez?

Grandes sobreactuaciones

2009-11-11T19:22:00.015-03:00

No hay nada peor que un actor que sobreactúa. Que exagera sus tics. Que habla declamando... Pero hay veces en las que un papel necesita de la exageración. O que el tono de una película requiere de cierta extravagancia por parte del actor. En muchos casos, los papeles de psicópatas o villanos de distinta clase reclaman este tipo de enfoque. O sea, no siempre "menos es más." Y si bien me encanta el minimalismo de Bill Murray (que, a veces, también puede ser exagerado), de vez en cuando el griterío y la mueca exacerbada vienen bien. Acá les dejo algunas grandes sobreactuaciones que nos ha dejado el cine (habrá otra entrega):

-Daniel Day Lewis, There will be blood (2007)

En esta casi operística obra de Paul Thomas Anderson, Day-Lewis brinda una caricaturesca actuación como el magnate del petróleo Daniel Plainview. El irlandés brinda todo lo que el film requería. Y un poco más. Se ganó un merecido Oscar.

-Gary Oldman, The professional (1994)

Antes de achancharse en papeles más "normales" como en Batman y Harry Potter, y antes de dejar el alcohol, Oldman brindaba actuaciones fronterizas como en Sid y Nancy, State of grace o aquí, donde su corrupto policía antinarcóticos no conocía de reacciones medidas. Y tampoco era muy anti narcóticos que digamos.

-Robert De Niro, Cape Fear (1991)

Otro que hace rato no entrega alguna actuación que sorprenda. De hecho, creo que esta fue su última verdadera joya: Max Cady, un psicópata en plan de vanganza contra el abogado que no lo defendió como debía. Esta remake es un clásico de Scorsese, parodiado hasta por los Simpsons.

-Al Pacino, Scarface (1983)

No me canso de ver esta película. Es exagerada y ridícula como casi todo lo de De Palma. Pero es muy entretenida. Y Tony Montana es una verdadera creación de Pacino. El final, tras esa montaña de cocaína, es inolvidable.

-Ben Kingsley, Sexy Beast (2000)

Otro que sabe lo que hace. Quien alguna vez interpretó a Gandhi aquí se convierte en el ser más violento del mundo. Su Don Logan es uno de los villanos más exagerados, temibles y cómicos de la historia del cine. Y también persuasivo.

Músicos que actúan (y lo hacen bien)

2009-11-02T21:20:00.000-03:00

Es bastante común que los músicos se decidan a probar suerte en la actuación, aunque no siempre lo hacen con propiedad. En muchos casos, se trata simplemente de raptos de vanidad (Britney Spears, Mariah Carey, Whitney Houston); en otros, de meras excusas para promocionar su música (como lo hacían Elvis Presley o los Beatles; o lamentables casos argentinos como Donald y Palito Ortega). Pero, cada tanto, aparecen músicos que se toman la actuación como algo serio, como una parte integral de su carrera artística. Acá, algunos ejemplos destacados.

David Bowie:
Uno de mis artistas favoritos, sin dudas. Este genial músico desde siempre se ha tomado la actuación en serio. Aunque no es de extrañar que alguien que encarnó tantos personajes en su carrera musical tenga una indudable aptitud para la actuación. Ya sea como protagonista o actor de reparto, el Duque Blanco demostró siempre en cine tener la misma clase que para la música. Momentos destacados: The man who fell to Earth (1976), The hunger (1983), Merry Christmas Mr. Lawrence (1983), Labyrinth (1986), Twin Peaks: fire walk with me (1992), The prestige (2006).

Tom Waits:
Este músico, bohemio y poeta es de esos artistas que tienen una integridad intachable. Waits siempre hizo la música que quiso, y siempre actuó en los filmes que quiso. Como actor transmite lo mismo que como músico: esa personalidad despreocupada y canchera, propia del que tiene a la calle, la noche y los bares como su universo. Ha trabajado con Coppola (One from the heart, 1982; Rumble Fish, 1983; Cotton Club, 1984; Dracula, 1992), Jim Jarmusch (Down by law, 1986; Coffee and Cigarettes, 2003) y Robert Altman (Short cuts, 1993), entre otros.

Rubén Blades:
Músico panameño que se viene desempeñando hace muchos años como actor de reparto en producciones hollywoodenses. Si bien en su música ha sido siempre bastante crítico con el imperialismo yanqui, parece no tener inconvenientes en trabajar en su industria cinematográfica. ¿Contradictorio? Puede ser. Pero al menos actúa bastante bien el hombre. Trabajó bajo las órdenes de Robert Redford (The Milagro Beanfield War, 1988), Spike Lee (Mo' better blues, 1990), Jack Nicholson (The two Jakes, 1990) y Tim Robbins (Cradle will rock, 1999).

Kris Kristofferson:
Cuasi leyenda de la música folk norteamericana que incluso tuvo un par de revolcadas con Janis Joplin. Ha protagonizado varias pelis en el pasado (Pat Garrett and Billy the Kid, 1973; A star is born, 1976), pero en los últimos años lo suyo pasó más por los roles secundarios (Lone Star, 1996; Blade, 1998). Con su cara de pequinés enojado impone una indudable presencia para roles de carácter.

Frank Sinatra:
El “Chairman of the Board” actuó en muchísimas películas. Y más allá de sus payasadas con el Rat Pack (Sammy Davis Jr, Dean Martin, Bing Crosby) el tipo demostró ser muy solvente en roles dramáticos, llegando a ganar un Oscar por su papel secundario en From here to eternity (1953), con el que revivió su carrera. De hecho, la leyenda cuenta que este papel lo consiguió gracias a sus contactos con la mafia. Esta supuesta historia se utilizó luego en El Padrino, con la famosa escena de la cabeza de caballo en la cama del productor de cine. Como todo, Frankie lo logró “a su manera”...

Cher:
A pesar de que su cara ultra operada actualmente le impide gesticular como un ser humano normal, la ex pareja de Sonny Bono dio varias muestras de su capacidad actoral. No sólo en su papel en Hechizo de Luna (Moonstruck, 1987), que le valió el Oscar a mejor actriz, sino en filmes como Mask (1985), donde hacía de la madre de un chico severamente deformado, o en Silkwood (1983), donde se lució nada menos que con Meryl Streep al lado.

Y para cerrar, nombro a los siguientes, que actuaron una vez sola, pero lo hicieron bien:

-Eminem, en 8 mile (2002). Ok, hacía de él mismo, pero estuvo mucho mejor de lo esperado.
-Dexter Gordon, en Round Midnight (1986). Esta leyenda del jazz se lució en el film de Bertrand Tavernier, logrando incluso una nominación al Oscar.
-Steven Van Zandt, en The Sopranos (1999-2007). El guitarrista de la E Street Band la rompió como Silvio Dante, la mano derecha del gordo Tony.
-Bjork, en Dancer in the dark (2000). Bajo las órdenes de Lars Von Trier, la islandesa se destacó en este inusual, y deprimente, musical.

Películas buenas/malas

2009-10-26T21:40:00.003-03:00

¿Nunca les pasó estar viendo una película y no lograr dilucidar si es una porquería o una obra maestra? La pregunta me surgió el otro día en el curso de cine de Guillermo Hernández, donde vimos La ardilla Roja, del director español Julio Medem. El film, uno de sus primeros, está protagonizado por Emma Suárez (qué buena que estaba) y un tal Nancho Novo. Ya desde un principio me descolocó lo mal actor que me pareció él. Realmente poco expresivo, con una voz grave y monocorde. En realidad, todo el registro actoral de la película es extraño. Creo yo, deliberadamente. Pero él en especial me pareció bastante "de madera". La premisa de la historia es interesante: un hombre a punto de suicidarse ve cómo una motociclista sufre un accidente; al socorrerla, descubre que ella está amnésica, por lo que él decide ahí mismo hacerle creer que él es su novio. Lo que sigue es una rebuscada historia de engaños, sospechas y obsesiones. La peli adopta, como dije, un tono extraño, con una atmósfera por momentos onírica y varios simbolismos. Pero lo que me desconcertaba no era esto, sino sus otras "rarezas": actuaciones acartonadas y declamatorias; situaciones descolgadas; tomas de cámara subjetivas o radicales... Creo que el cineasta estaba aun buscando un estilo personal, pero por momentos el film me pareció francamente malo, aunque en otros tramos mostraba cosas realmente interesantes. En realidad, no me quedaba claro si algunas de sus partes ridículas lo eran intencionalmente. En conclusión, me resulta difícil emitir un juicio definitivo sobre esta película.

Este sentimiento ambivalente hacia un filme no es nuevo, y puede tener distintas aristas. Recuerdo que la primera vez que vi Mouline Rouge también sentí por momentos esa especie de "vergüencita ajena", ya que es una peli que en varios tramos camina sobre el peligroso límite del ridículo. Aunque es un film que me gusta mucho y del que queda claro su tono e intención. The Rocky Horror Picture Show es una película que me encanta, pero imagino que si es vista por alguien que desconoce el contexto en el que fue hecha y su intención, le parecerá espantosa. El cocinero, el ladron, su mujer y su amante es un film muy interesante, pero su exagerada pomposidad (típica de Peter Greeneway) por momentos la acercan al ridículo. Y así siguen las firmas...
¿Y ustedes, recuerdan alguna peli que los haya dejado con esta indefinición sobre su calidad? ¿Les viene a la mente alguna película "buena/mala"?

Adolescencia Divino Tesoro

2009-10-18T10:28:00.039-03:00

Ah... la adolescencia. Una etapa difícil de la vida en la que las hormonas mandan. Son años hermosos para algunos, detestables para otros. Y que para varios (como yo, lamentablemente) han quedado muuuuy atrás. Las películas sobre adolescentes suelen centrar sus temáticas justamente en la idea fija, mostrando a sus protagonistas como seres que sólo piensan en ponerla. Pero existen filmes que retratan el mundo adolescente de forma más profunda e interesante, incluso cuando también abordan la temática sexual. Acá dejo algunas pelis más que recomendables sobre este momento tan particular de la existencia humana.

Cuenta conmigo (Stand by me, 1986): esta es sobre pre-adolescentes, en realidad. Pero es sin dudas una de las mejores películas hechas sobre la amistad en esos años de la vida. Basada en una historia de Stephen King, muestra el viaje en mochila de cuatro amigos en busca de un supuesto cadáver. River Phoenix, ya desde chico, demostraba que era un talento especial. Dirigida por Rob Reiner.

Krampack (2000): película española que gira en torno a la iniciación sexual de dos amigos adolescentes. Nico va a pasar unos días a la casa de verano de su amigo Dani. Ambos tienen una relación entrañable. Pero mientras Nico está muy interesado en avanzar con una chica que conoce allí, Dani descubre que él está mucho más interesado en avanzar con Nico. Muy bien relatada y actuada, abordando temas que podrían sonar "polémicos" de una manera muy franca, graciosa y hasta casi inocente. Dirigida por Cesc Gay.

Paranoid Park (2008): una de las pelis que Gus Van Sant dedicó últimamente a la adolescencia, en este caso para retratar el submundo de los skaters. En el centro del film está Alex, un chico de 16 años que, accidentalmente, termina con la vida de un guardia de tren. El film, lejos de ser un policial, refleja de manera sutil y poética las tribulaciones internas que atraviesa el pibe. Muy interesante, con una gran atmósfera.

La joven vida de Juno (Juno, 2007): una de las sorpresas de su año que llegó a ganar el Oscar a mejor guión. Ellen Page es Juno, una adolescente que queda embarazada de su novio (el cara de nada Michael Cera) y que decide seguir adelante con el embarazo para dar al bebé en adopción. La peli está muy bien pintando a estos chicos como lo que son: adolescentes que no quieren crecer a los golpes, ni de golpe. Dirigida por Jason Reitman.

Criaturas celestiales (Heavenly creatures, 1994): este film de Peter Jackson, si bien está muy alejado de El Señor de los Anillos, demostraba la capacidad visual del neocelandés. Basada en el caso real de dos amigas (Kate Winslet y Melanie Lynskey) que se convirtieron en amantes y terminaron asesinando a la madre de una de ellas. En la peli, las chicas crean su propio mundo de fantasía para evadirse de la realidad. Lynskey, para quienes ven Two and a half men, es la que hace de Rose, la vecina chiflada.

Películas sobre periodistas

2009-10-05T21:00:00.001-03:00

Ahora que en Argentina está tan en boga el tema de los medios de comunicación con la nueva ley que está impulsando el gobierno, y que tanta gente opina sobre los medios "independientes" (confundiendo constantemente el verdadero significado de esta palabra, en gran parte por culpa de esos supuestos medios "independientes"), me parece interesante recordar algunas películas que retratan no sólo el mundo del periodismo, sino la importancia que tiene la prensa libre, así como también de qué forma la existencia de multimedios atenta contra la tan mentada independencia. Hay varias pelis para nombrar, así que puede ser que haya otras entregas.

El Ciudadano (Citizen Kane, 1941):
La emblemática película de Orson Welles retrataba la vida de un magnate de los medios, Charles Foster Kane, personaje que se basaba en William Randolph Hearst, un empresario periodístico real. De hecho, Hearst hizo lo posible por detener el estreno de este film, llegando al colmo de intentar introducir a una menor de edad en la habitación del hotel de Welles para acusarlo de pedofilia. Todo sea por la libertad de prensa.

Todos los hombres del presidente (All the presindent's men, 1976):
La historia de cómo los periodistas del Washington Post Carl Berstein y Bob Woodward (Dustin Hoffman y Robert Redford) destaparon el escándalo Watergate, por el cual Richard Nixon debió renunciar a la presidencia de USA (el tipo espiaba a sus rivales políticos con micrófonos). Un film testimonial ejemplar que marcó un camino a seguir dentro de su género. Dirigido por Alan Pakula.

Network (1976):
Otro película fundamental norteamericana de los 70. Luego de ser despedido a causa de su bajo rating, un presentador de un noticiero (Peter Finch), en un ataque de nervios, anuncia su inminente suicidio en cámara. A partir de allí se vuelve un fenómeno televisivo que será explotado por el medio. De Sidney Lumet.

El informante (The insider, 1999):
La que es, según esta humilde opinión, la mejor película de Michael Mann, detalla la historia detrás del informe especial que el programa 60 Minutes realizó sobre la industria tabacalera, gracias al testimonio de Jeffrey Wigand (Russell Crowe), un ex ejecutivo que contó cómo los cigarrillos poseen un componente adictivo artificial. El reportaje primero fue censurado, entre otras cosas, por los negocios que la CBS tenía con la empresa investigada. Para los que creen que ser independiente sólo significa ser opositor a un gobierno.

Buenas noches, buenas suerte (Good night, Good luck, 2005):
Excelente película dirigida por George Clooney que cuenta el duelo mediático que el periodista Edward Murroy (David Strathairn) mantuvo en la década del ´50 con el senador Joseph McCarthy, conocido por su "caza de brujas" en contra de los comunistas. El film utiliza filmaciones reales de McCarthy, quien se expresaba de manera tan exagerada, que los ejecutivos del estudio le dijeron a Clooney que el actor que hacía de McCarthy sobreactuaba mucho...

Películas favoritas: Una acción civil

2009-09-26T20:00:00.001-03:00

Una película de una calidad superlativa que combina el thriller tribunalicio con el film de denuncia y el drama humano, tomando los mejores elementos de cada uno de estos sub-géneros. La historia tiene similitudes con la posterior Erin Brockovich, pero mientras que aquel sobre valorado film de Steven Soderbergh no era más que una excusa para el lucimiento de su estrella (Julia Roberts), ésta es una película llena de matices cuyo objetivo primario es contar una historia trascendente sin fisuras, valiéndose de un guión brillante, una dirección segura y un elenco notable.

A civil action (1998) cuenta la historia de un exitoso y frío abogado (John Travolta) que, por esas casualidades de la vida, se topa con el caso de un pequeño pueblo que está viendo afectada la salud de sus habitantes debido a la contaminación del agua, producida por el deshecho ilegal de desperdicios químicos por parte de una empresa que manufactura cueros. Típico litigante que sólo ve sus casos como una cuestión de costo-beneficio económico, el abogado irá lentamente involucrándose a nivel personal con el caso, llegando al límite de poner en riesgo su propia estabilidad monetaria (y la de sus asociados).

La película está narrada de manera brillante por su director Steven Zaillian, un experimentado guionista que ya había probado suerte en la dirección con Searching for Bobby Fischer (1993), y que luego filmaría la denostada por la crítica All the king's men (2006), con Sean Penn. Aquí, hace todo bien, desde la presentación del conflicto y los personajes, hasta el seguimiento del caso y de los pormenores de la trama que, como es de esperar cuando hay intereses económicos de magnitud, tiene varios puntos de conflicto. Tampoco lastima que el elenco sea sólido como una roca. Travolta está perfecto en su papel, haciendo que el "viaje" emocional y ético de su personaje sea creíble y sin exageraciones. Secundándolo, como sus asociados, están los excelentes William H. Macy y Tony Shaloub, actores que siempre agregan calidad a cualquier elenco. También se lucen James Gandolfini (pre Sopranos) y Kathleen Quinlan como dos preocupados padres integrantes de esa comunidad amenazada. Y en un papel realmente muy particular brilla Robert Duvall (nominado al Oscar de reparto) como el abogado de una de las empresas enjuiciadas. Un rol que podría haber sido jugado como el típico personaje serio y amenazante, Duvall lo lleva para otro lado, dándole al personaje un aire desinteresado, desordenado y (engañosamente) disperso. Es una actuación sorprendente y sutil de parte de un actor que conoce su oficio como pocos.
Una acción civil es cine adulto del bueno. Una de esas películas sólidas a las que es defícil encontrarle algo para reprocharle. Un deleite para aquellos que aprecian esta clase de películas, o para cualquier amante del cine bien contado y actuado.

Tarde pero seguro: El Increíble Hulk 2

2009-09-16T23:00:00.000-03:00

Título original: The Incredible Hulk (USA, 2008) / Dirección: Louis Leterrier / Elenco: Edward Norton, Tim Roth, Liv Tyler, William Hurt, Tim Blake Nelson / Duración: 112 mins.

Recientemente tuve oportunidad de ver esta secuela de la película dirigida por Ang Lee. Con otro director al mando y un elenco renovado, es evidente que el interés principal que tuvieron sus realizadores fue lograr que ésta no hiciera lo mismo que la anterior: aburrirnos. La película de Lee, más allá de algunas ideas interesantes que tenía a nivel narrativo y visual, resultaba realmente tediosa. Así es que para esta secuela se propusieron dejar de lado el estilo en favor de una historia enfocada principalmente en las escenas de acción. Y lo lograron, alcanzando un producto entretenido, aunque lejos de ser brillante.

Hulk 2, comparada con algunos comics de los últimos tiempos como Ironman y, muy especialmente, The Dark Knight, está un par de escalones abajo. Dramáticamente llano, el film es más que nada una preparación de hora y media para el enfrentamiento final con el villano de turno (el gran Tim Roth, quien brinda una actuación con pocos matices, casi en piloto automático). La historia comienza con Bruce Banner (el siempre solvente Edward Norton) viviendo escondido en los barrios bajos de Brasil, buscando una cura para su "enfermedad". Pero el General Ross (William Hurt) se la tiene jurada, así que cuando una pista indica que Banner estaría en ese país de Suramérica, manda un escuadrón en su búsqueda. Liderando dicho contingente está Emil Blonsky (Roth), una especie de sabueso implacable que no se detiene ante nada. En el centro de la historia también está Betty, la enamorada de Banner e hija de Ross, interpretada aquí por Liv Tyler (en la película anterior era Jennifer Connelly). Por esas cosas poco explicables, Blonsky se toma el asunto contra Hulk a nivel muy personal, llegando al extremo de hacerse inyectar la misma sustancia que Banner tiene en el cuerpo para enfrentarlo "mano a mano", con las esperables consecuencias.

La peli, como dije, no es gran cosa. Si bien llama la atención la solidez del elenco reunido, el guión no deja de ser una excusa para que tengan lugar un par de enfrentamientos a gran escala. Y eso es todo. Eso sí, los efectos están un poco mejor logrados que en la primera entrega, donde el monstruo parecía casi un dibujo animado... En suma, un film que sólo busca entretener (y lo logra) al que no le interesa entrar en implicancias filosóficas ni sociológicas. Desde ya, una vez visto se olvida rápidamente... Pero zafa. Como dirían los fanáticos de Beto Tony y su muñeco: "Está bien!!"

Bastardos sin gloria

2009-09-07T21:55:00.000-03:00

Título original: Inglorious Basterds (USA, 2009) / Dirección: Quentin Tarantino / Elenco: Brad Pitt, Christoph Waltz, Mélanie Laurent, Eli Roth, Michael Fassbender, Diane Kruger, Mike Myers / Duración: 153 mins.

Luego de la irregular Death Proof (que, como parte del proyecto Grindhouse, fue más un ejercicio fílmico que una película), Tarantino regresa al gran cine con una obra hecha a la medida no sólo de sus fanáticos, sino de los amantes del séptimo arte en general. Es un film dedicado a quienes sientan deleite ante una buena actuación, una gran escena o un diálogo brillante. Porque aquellos que crean que Inglorious Basterds se trata simplemente de una película de guerra, se equivocan fiero. Es más una película de personajes, de climas y de diálogos que una de acción y violencia física (aunque hay que aclarar que cuando la violencia aparece, lo hace con todo). Es un film tan radical en su propuesta y en su ejecución que es imposible que deje indiferente a nadie. Es Tarantino 100%, para bien y para mal. Lo “peor” que puede decirse del cine de Tarantino es que se ha ido volviendo cada vez más referencial y auto referencial. Referencial porque sus propuestas son siempre excusas para homenajear géneros, películas o personajes del pasado. Y auto referencial, porque es un autor que ha generado un universo tan personal e identificable que sus filmes, cada vez en mayor medida, remiten a sus propias obras. Esta dinámica, para algunos, puede llegar a ser vista como una especie de juego aburrido y repetitivo (es cierto que, por momentos, Tarantino parece regodearse de más con su propio ingenio). Pero el talento e imaginación del cineasta están lejos de permitir que sus obras queden en este plano meramente lúdico.

Inglorious Basterds debe ser la película "de guerra" con más parlamentos en la historia del cine. Hay aquí más líneas de diálogos que en un film de Woody Allen o Ingmar Bergman. Tarantino, como es sabido, es un excelente creador de diálogos, y eso es lo que más abunda en la película. Así, la primera escena del film está compuesta por un diálogo que dura como veinte minutos, pero que no aburre en ningún momento. Principalmente, por la excelencia de su factura. Las palabras que Tarantino pone en boca de sus personajes no son casuales, por más que por momentos pareciera que hablan banalidades. Lo que los personajes dicen, y cómo lo dicen, nos define su esencia. Y en esa notable primera escena conocemos a un personaje destinado a quedar en la historia grande del cine: el coronel Hans Landa. Un nazi dedicado específicamente (y orgullosamente) a cazar judíos, es de esos seres a los que amamos odiar. U odiamos amar. El actor austríaco Christophe Waltz (quien se consagró como mejor actor en Cannes y que seguramente logre una nominación al Oscar) ha creado un personaje multifacético, oscuro, temible y cómico a la vez, que ilumina cada escena en la que participa. Las sinuosidades de sus gestos y sus entonaciones son deliciosas. Y debe ser el primer personaje en la historia del cine en valerse del uso de distintos idiomas casi como un arma.
Por otro lado está el batallón de los “bastardos” del título, un grupo de soldados norteamericanos de origen judío que tiene como único objetivo asesinar brutalmente (arrancando el cuero cabelludo) a todo nazi que se les cruce por el camino, y así sembrar el terror entre las filas alemanas. Su líder es el teniente Aldo Raine (Brad Pitt, en un personaje caricaturesco pero bien llevado), un tipo al que sólo le importa cumplir con su tarea y que cuenta bajo su mando con una serie de personajes coloridos, tal como es de esperar en un film de Tarantino. Y por último, cerrando los personajes principales de la historia, está Shosanna, una joven judía que logra escapar de la matanza de su familia y que años después intentará vengar su muerte.

El film no posee una línea narrativa tradicional o clásica. Está estructurado de manera episódica, con cinco capítulos que están interrelacionados y en los que estos variados personajes se irán cruzando de distintas formas. Además, Tarantino parece estar más interesado en homenajear a sus criaturas que en contar específicamente una historia. De allí que el disfrute esté más en cómo se suceden los acontecimientos de cada capítulo específico, en cómo está resuelta cada situación, en cada diálogo, en cada personaje. Es un film que se configura como una sumatoria de grandes momentos. Algo que no difiere mucho, podría decirse, de lo que Tarantino hizo en Pulp Fiction.
En suma, con Inglorious Basterds Tarantino vuelve a lograr lo que ya había hecho con Kill Bill: recordarnos por qué nos gusta tanto el cine. La conjunción del conocimiento enciclopédico que Tarantino tiene de la cultura popular con el talento que posee para darle una vuelta de tuerca original a todos los elementos que recoge y reinventa para cada una de sus películas siguen haciendo de este director uno de los cineastas más importantes de nuestros tiempos. Y lo peor de todo es que el tipo sabe lo genial que es. Y no tiene ningún empacho en demostrarlo. Quien tenga dudas sobre esto, que imagine al propio Quentin diciendo la frase que cierra la película... Y sí, es un agrandado. Pero cuánta razón tiene...

El secreto de sus ojos

2009-08-22T14:58:00.013-03:00

Título original: El secreto de sus ojos (Argentina, 2009) / Dirección: Juan José Campanella / Elenco: Ricardo Darín, Soledad Villamil, Guillermo Francella, Pablo Rago, Javier Godino, José Luis Gioia, Mario Alarcón / Duración: 127 mins.

El secreto de sus ojos es una muestra de que, mal que les pese a muchos críticos, es posible conjugar el cine de calidad con el masivo. Es un film que, sin ser perfecto, sigue demostrando que Juan José Campanella (que no es santo de mi devoción) sabe cómo filmar una película, más allá de las diferencias que uno pueda tener con sus elecciones narrativas o su ideología como autor.

Basada en la novela La pregunta de sus ojos, de Eduardo Sacheri, la película marca un cambio de rumbo para Campanella, al menos si se toman en cuenta sus tres últimos trabajos (El mismo amor la misma lluvia, El hijo de la novia y Luna de Avellaneda). Aquí deja de lado el costumbrismo romántico sentimentalista para meterse en una historia dramático-policial que tiene sí, en su centro, una historia de amor no consumada. Benjamín Espósito (Darín) es un ex empleado de un juzgado que, ya retirado, decide escribir una novela sobre un caso de violación seguido de muerte que, 30 años atrás, lo marcó a fuego. Es así que la película va y vuelve en el tiempo, desde el presente hacia esa Argentina turbulenta de mediados de los 70, durante pleno gobierno de Isabel Perón. Época en la cual la justicia no podía luchar contra el clima político imperante (pensándolo bien, ¿cuándo pudo?). Espósito, entonces, irá abriendo viejas heridas dejadas por este caso que, con la novela como excusa, intentará cerrar.

Campanella es un director al que uno puede criticarle varias cosas. En mi caso, siempre noté en sus películas cierta manipulación dramática. Una especie de intento por manejar los sentimientos de la audiencia. De decirle cuándo reír y cuándo llorar. Pero, más allá de esto, es un tipo que sabe lo qué quiere filmar, y cómo filmarlo. Además de ser un hábil narrador, Campanella es, sin dudas, un buen director de actores. Darín a esta altura es casi imposible que no labure bien. Si bien para muchos es un actor sobrevalorado, yo creo que tiene una presencia notable y que ha logrado un aplomo como intérprete que le da credibilidad a todos sus roles. Soledad Villamil, por su lado, logra un muy buen trabajo, con un personaje frío y algo distante pero que trasciende esa cáscara a medida que la historia avanza. Ella es Irene, el objeto del deseo de Espósito, una abogada de familia de dinero de la cual el protagonista vive enamorado. Además, está muy creíble su caracterización a lo largo del tiempo, tanto por maquillaje como por su trabajo gestual. Y mucho se ha dicho ya sobre la presencia de Guillermo Francella, en un papel algo alejado de sus habituales tics cómicos. Y lo cierto es que el tipo está muy bien en la piel de Sandoval, ese oscuro pero muy querible alcohólico que es una especie de asistente de Espósito en el juzgado y que tendrá en la historia una participación muy importante. Pero su labor a mí no me sorprendió, ya que siempre consideré a Francella un talentoso intérprete. Pero quien sí me sorprendió gratamente fue Pablo Rago, como el marido de la mujer asesinada. Su papel tal vez sea el más difícil de la película, pasando por distintos estados dramáticos, y Rago lo cumple con creces, aportando una actuación medida y con matices.

El film es técnicamente irreprochable (reconstrucción de época, maquillaje, efectos especiales) y contiene una gran escena de persecución en un estadio de futbol, de factura inusual para nuestro medio. Es la clase de escenas con las que los directores buscan regodearse. Y si lo hace Brian De Palma, ¿por qué no puede hacerlo Campanella? En cuanto a su narrativa, también es de destacar. Tal vez se le pueda reprochar que, sobre el final, pierda un poco el foco y se extienda más de la cuenta, queriendo dar un cierre a todos sus componentes. Pero esto es buscarle un poco el pelo a la leche.
El secreto de sus ojos es cine del bueno. Cine argentino, de género y no-independiente, por más que a muchos les pese.

Tarde pero seguro: Hacia rutas salvajes

2009-08-13T04:00:00.003-03:00

Título original: Into the wild (USA, 2007) / Dirección: Sean Penn/ Elenco: Emile Hirsch, Catherine Keener, Marcia Gay Harden, William Hurt, Vince Vaughn, Hal Holbrook, Jena Malone / Duración: 148 mins.

Into the wild es la cuarta película como director de Sean Penn. Y el talentoso actor sigue demostrando ser un realizador más que interesante, que mantiene destrás de cámaras la misma integridad, y solemnidad, que transmite delante de ellas. La película está basada en una novela de John Krakauer que relata la historia real de un joven idealista. Y si bien en algunos tramos la invade un tufillo a manual de autoayuda, el film alcanza indudables momentos de honestidad y belleza.

Christopher McCandless es un joven de 23 años que, luego de recibirse en la facultad, decide dejar todo de lado: a sus padres, a su hermana y a sus posesiones materiales. Su plan es salir a la ruta por dos años, viviendo de la naturaleza y de lo que la vida le provea, con el objetivo final de llegar a Alaska. En el camino, Christopher se irá cruzando con distintas personas a quienes, al revés de lo que uno supondría, influirá de manera notoria.

El relato está armado desde dos líneas temporales. En una, Christopher está ya cerca de Alaska, instalado en un autobús abandonado que encontró por casualidad, tratando de sobrevivir en medio de la, muchas veces, hostil naturaleza. En la otra, se nos muestra el recorrido de Chris antes de llegar allí, y los personajes que fue conociendo. O sea, la peli va y vuelve en el tiempo hacia ese presente en el bus. Sean Penn maneja muy bien el relato de este modo, logrando que el film nunca aburra (a pesar de sus 2 hs y media). Además, captura perfectamente el espíritu de la historia y de su protagonista.
Es sin dudas valioso el trabajo de Emile Hirsch, quien logra una actuación madura y solvente, transmitiendo la naturaleza pacífica y casi mística de Christopher. El actor demuestra tener el carisma necesario, logrando la difícil tarea de estar casi todo el tiempo en pantalla. Del resto del elenco se puede destacar al veterano Hal Holbrook (nominado al Oscar de reparto), como un solitario hombre al que Chris conoce casi al final de su recorrido; y a la siempre interesante y luminosa Catherine Keener, como la integrante de una pareja hippie. Por el otro lado, los padres de Chris, interpretados por William Hurt y Marcia Gay Harden, son representados de un modo algo esquemático, siendo tal vez esto lo más flojo del film.

Penn eligió para musicalizar la película a Eddie Vedder, el líder de Pearl Jam, quien creó varias melodías de relajada belleza que adornan y acompañan el relato efectivamente.
Into the wild es una película poética que corre el riesgo, como dije, de parecer un manifiesto pacifista. Y seguramente más de un irónico (yo suelo serlo) esté tentado en varios momentos a desdeñar algunas frases aquí escuchadas. Pero es un film de una indudable hermosura y sutileza. Y cualquiera con algo de humano dentro suyo tiene que sentirse identificado con las motivaciones del protagonista, si bien tal vez no con sus métodos.
En conclusión, un film realmente para disfrutar sin prejuicios y con la mente abierta.

Fancinema revista: un orgullo

2009-08-09T17:05:00.016-03:00

Para quienes no lo sepan, hace un tiempo ya que los amigos de Fancinema me invitaron a formar parte de su staff, por lo que de vez en cuando se puede encontrar en ese sitio de internet algún comentario de mi autoría. Ahora bien, el señor Mex Faliero, integrante de Fancinema, ha logrado plasmar recientemente un viejo sueño suyo: editar la versión impresa de Fancinema. Esta publicación, que al igual que el sitio web nace desde Mar del Plata, se comenzó a distribuir en agosto en los video clubes de esta ciudad costera argentina. La propuesta es la de aportar una revista de calidad, con un contenido más profundo y comprehensivo que el encontrado habitualmente en los video clubes. Y es para mí un orgullo contarme entre los firmantes de lo que allí se lee.

Desde aquí les mando un gran abrazo y agradecimiento a Mex y a todos quienes colaboran en esta casi quijotesca tarea. Como dije, la revista se consigue, por ahora, en Mar del Plata. Pero, ¿quién sabe? Tal vez dentro de un tiempo lleguemos a otras latitudes...
Les dejo un video de la orgullosa presentación en sociedad de Fancinema.

El solista

2009-08-04T01:00:00.002-03:00

Título original: The Soloist (USA, 2009) / Dirección: Joe Wright / Elenco: Robert Downey Jr., Jamie Foxx, Catherine Keener/ Duración: 117 mins.

El Solista es una película llena de buenas intenciones que pudo haber sido varias cosas pero que, en su intento de ser todas esas cosas juntas, no termina siendo casi ninguna. A continuación, la explicación.

La peli narra una historia real. El periodista de Los Angeles Times Steve Lopez (en cuyo libro está basada la película) se cruzó un día en la calle con un solitario indigente que estaba tocando, llamativamente bien, un violín de sólo dos cuerdas. El inusual encuentro, matizado por el errático discurso del pordiosero, despertó el interés del periodista, quien vio allí una potencial historia para su columna. El músico en cuestión resultó ser Nathaniel Ayers, un prodigioso del violonchelo que años atrás debió abandonar su promisoria carrera musical debido a la esquizofrenia. Al conocer su historia, Lopez inició un vínculo con Ayers que trascendió el mero interés periodístico, buscando reintegrar de algún modo a este genio a la sociedad y a su arte. ¿Pero hasta qué punto se puede ayudar a una persona con las condiciones psicológicas de Ayers? ¿Es posible intentar que lleve una vida normal, en especial cuando él mismo la rechaza? ¿Se puede generar un verdadero vínculo de amistad con alguien tan alienado?

Como dije, The Soloist era una película con muchas posibilidades, pero casi todas fueron desaprovechadas. La falla principal del film (y de su director, Joe Wright) es que no acaba por decidir cuál historia quiere contar, apuntando a varios frentes y no terminando de consolidarse plenamente en ninguno. Por un lado está la historia de Lopez (Robert Downey Jr.), un periodista de cierto renombre que busca recuperarse tanto profesional como personalmente. Luego está la historia de Ayers (Jamie Foxx), un joven y promisorio músico que perdió todo debido a sus problemas mentales (una historia que recuerda mucho a Sunshine). Y por último está también el enfoque social, más amplio, que Wright intenta abordar: el de los miles de indigentes que viven en las calles de Los Angeles, y la poca atención que reciben del estado norteamericano. Todas son líneas narrativas interesantes, pero la falta de foco atenta contra la identificación con la historia. Al ocupar demasiado nuestra atención en el aspecto social (Lopez conoce de cerca el drama de un complejo habitacional destinado a los indigentes), el film no logra desarrollar cabalmente el vínculo entre los dos personajes centrales. Si bien todos los elementos necesarios para alimentar dramáticamente su relación están allí, el director no supo darle la energía necesaria a dicho intercambio.
De entrada hay que aclarar que la historia principal es la de Lopez. Todo está visto desde sus ojos. Y Downey, protagonista excluyente, está brillante, aportando al papel su habitual intensidad y carisma. Por su parte, es también loable lo de Foxx, quien realiza una actuación medida, sin las típicas exageraciones que este tipo de papeles suelen generar en muchos actores. Tal vez esta falta de efectismo sensacionalista en el abordaje de la figura de Ayers sea lo más destacable del film. En definitiva, no es culpa de los actores que no logremos engancharnos con sus personajes y con su relación.

Creo entonces que Wright, quien venía de lucirse con Atonement, es el responsable de que la película haya quedado empantanada en cierta hibridez. Y también de desperdiciar las oportunidades que la historia entregaba para que sus elementos tomaran mayor dimensión. Un caso paradigmático es la escena en la que Lopez le regala a Ayers un violonchelo, debajo de una autopista. Cuando Ayers comienza a tocar el instrumento, luego de años de no hacerlo, la cámara se desvía “poéticamente” siguiendo el vuelo de unas palomas sobre la ciudad. Todo lo que la escena requería era quedarse con los protagonistas y sus reacciones. Ayers reencontrándose con su arte, Lopez emocionándose al comprobar el talento del otro... La sola presencia de semejantes actores habría alcanzado para generar la emoción necesaria. Y para ayudar a que la relación entre ellos creciera en credibilidad. Pero Wright desvía la atención con un (pobre) intento estilístico. Esta clase de dispersión es la que empapa a todo el relato. Lo que no quiere decir que el film no tenga momentos valiosos o profundos, pero sí que el resultado final es mucho más desparejado del esperable.
En conclusión, The Soloist es un film aceptable pero cuyo pedigree lo convierte en una decepción. Al terminar la película, una leyenda nos informa que hay unos 90 mil indigentes viviendo en las calles de Los Angeles. Más allá de la relevancia que este dato pueda tener, no hace más que ampliar y reafirmar nuestra duda. ¿De qué me estaba hablando el film? ¿De Lopez? ¿De Ayers? ¿De la esquizofrenia? ¿De la amistad? ¿De la música? ¿De los indigentes? ¿De Los Angeles? ¿De todo? ¿O de nada?...

El Solista tiene fecha prevista de estreno en Argentina el 29 octubre de 2009.

El regreso de Tron

2009-07-31T09:31:00.009-03:00

¿Se acuerdan de Tron? Me temo que la gran mayoría de Uds dirá que no, con lo que me harán sentir un anciano. Igual, no los culpo. Esta peli futurista de 1982 es una especie de clásico de culto que en su momento no fue muy exitosa. Protagonizada por Jeff Bridges, contaba la historia de un hacker que era literalmente succionado dentro de un mundo computarizado en el cual debía participar de una especie de juego de supervivencia. El film no era gran cosa, pero tenía unos efectos visuales novedosos.

El tema es que 28 años después llegará a los cines Tron Legacy, una especie de continuación de esta historia. A juzgar por el primer trailer, que muestra poco y nada, la peli tendrá el mismo tipo de diseño visual de la primera. El hecho de que Bridges aparezca nuevamente me permite abrirle el crédito. La presencia del señor Lebowski es siempre garantía de calidad, aunque lo cierto es que a priori este proyecto no me genera nada de confianza. La banda de sonido estará a cargo de los franceses Daft Punk, otro posible punto a favor. Pero será cuestión de esperar hasta su estreno en 2010. Por ahora, está este trailer:

Hace mucho tiempo que te quiero

2009-07-22T01:00:00.000-03:00

Título original: Il y a longtemps que je t'aime (Francia, 2008) / Dirección: Philippe Claudel / Elenco: Kristin Scott Thomas, Elsa Zylberstein, Serge Hazanavicius, Laurent Grévill, Frédéric Pierrot / Duración: 117 mins.

Hace mucho tiempo que te quiero es el notable debut como director del escritor y guionista Philippe Claudel, y cuenta en el rol central con Kristin Scott Thomas en la mejor actuación de su carrera.

Juliette es una mujer que sale de prisión luego de cumplir 15 años de condena. Su hermana menor, Léa, la aloja en su amplio hogar, en donde vive con su esposo, su suegro y sus dos pequeñas hijas. Cabe aclarar que durante toda la condena de Juliette, Léa jamás tuvo contacto con su hermana, en gran parte porque su familia había decidido olvidarse de Juliette, luego del oscuro crimen que cometió. Pero Léa (que cuando Juliette fue a la cárcel era aun adolescente), decide darle una oportunidad a su hermana. Y darse a ella misma la oportunidad de entenderla. Y de a poco, la ensimismada y retraída Juliette irá intentando rearmar su vida. Irá intentando recuperar su humanidad perdida. Y aquellos que la rodean irán intentando comprender lo que, en primera instancia, parece incomprensible.

Creo que estamos ante un gran film. Un film de diálogos, de miradas y de silencios. De cosas que están latentes esperando salir a superficie. De personas que tratan de entender no sólo la vida de los otros, sino la propia. Mientras lo veía, no podía dejar de admirar la manera en que el director nos introduce sutilmente en el mundo de un personaje difícil de aceptar. Juliette es una mujer que cometió un crimen terrible (tal vez el peor), pero al que la película no juzga en ningún momento, aunque sí lo hagan algunos de los personajes del film. Es una mujer que transmite con su gestualidad todo el pesar del mundo. Su cara y pose corporal son la expresión exacta de la desolación. Kristin Scott Thomas, actriz británica que hace algunos años filma también en Francia, brinda una actuación brillante. Con su cara lavada, expresión abatida y su mirada triste y desesperanzada transmite de manera notable el interior de su enigmático personaje. No sé si estaba habilitada para competir por el Oscar, porque es increíble que no la hayan nominado.

Tal vez lo más “criticable” de la película sea la búsqueda de explicación final, en donde se nos descubre el verdadero por qué detrás de lo que hizo Juliette, practicando una especie de redención. Allí el film, que hasta ese momento se había caracterizado por un dramatismo casi aséptico, carente de cualquier efectismo o golpe bajo, se aproxima ligeramente a cierto melodramatismo. De todas formas, es un desenlace dramáticamente movilizante que no atenta contra la calidad del film en general. Y, desde ya, esto dicho es una percepción personal. A muchos otros les parecerá que el desenlace es lo mejor de la película.

Como sea, Hace mucho tiempo que te quiero es una de esas películas que cualquier amante de las historias bien contadas y actuadas no debería dejar de ver. Una película que se beneficia de una actuación central excelente, pero que es mucho más que eso. Es un film de un profundo dramatismo cuya sutileza logra que, para cuando llega el final, estemos metidos en la historia hasta el cuello. Haciendo casi imposible que no aparezca ese maldito nudo en la garganta que los tipos cínicos como yo odiamos admitir.
Hace mucho tiempo que te quiero se estrenó en Argentina el 16 de julio.

¡Me premiaron!

2009-07-19T12:55:00.008-03:00

Un enorme agradecimiento al amigo Xavier Vidal de Cinoscar & Rarities por otorgarme el Bertuah Award:

Como dice la película, "¿Qué he hecho yo para merecer esto?"... En fin. Muchas gracias por el galardón. Se supone que yo debo continuar y hacer lo mismo con otros blogs que sean de mi agrado. Pido disculpas, pero prefiero no hacerlo. Principalmente, porque lo cierto es que son muchos los blogs que sigo habitualmente y que considero amigos, y premiar a unos significaría dejar afuera a otros. Y no me sentiría bien. Así que aquellos que suelen tener mi visita por sus blogs, saben que yo les daría el premio.
Gracias a todos y trataremos de hacer honor a este nuevo premio.

Tarde pero seguro: Secretos íntimos

2009-07-13T20:30:00.003-03:00

Título original: Little children (USA, 2006) / Dirección: Todd Field / Elenco: Patrick Wilson, Kate Winslet, Jennifer Connelly, Jackie Earle Haley / Duración: 130 mins.

Estafa. Creo que esa es la palabra que mejor define a esta película. O al menos, la que mejor define la sensación que me quedó después de verla.
Little children es un film del año 2006 dirigido por Todd Field, actor-director cuyo debut detrás de cámaras había sido con la sobria In the Bedroom (2001). Para su segundo largometraje Field eligió una novela de Tom Perrotta (quien también adaptó el guión) que gira en torno a una serie de personajes de los suburbios norteamericanos. Me dieron ganas de ver este film por las buenas críticas que había tenido en su momento y porque dos de sus protagonistas (Patrick Wilson y Jackie Earle Haley) actúan en Watchmen, lo cual me redireccionó hacia él. Pero me llevé un verdadero chasco.

Brad (Wilson) está casado con Kathy (Jennifer Connelly). Ella mantiene la economía de la casa, mientras él se dedica a cuidar a su hijo y a intentar aprobar (luego de un par de fracasos) el examen final de abogacía. Sarah (Kate Winslet), por su parte, es una joven mujer que no encuentra su lugar ni como esposa ni como madre. Brad y Sarah se encontrarán por casualidad y buscarán mutuo consuelo en medio de esa vida suburbana y rutinaria en la cual se sienten prisioneros. Y por otro lado está Ronnie (Haley), un pederasta ex convicto que se muda al barrio generando el terror entre los preocupados padres, por más que él sólo quiera rehacer su vida pacíficamente.

No pude dejar de relacionar Little children con American beauty. Primero por la temática y el tono del film. Y luego porque, al igual que aquella, la película amaga con recorrer un camino del cual luego se termina arrepintiendo. Lo que comienza siendo una ácida crítica a la vida del norteamericano medio termina virando, llegando al final, hacia otro lado, transformando una potencial sátira en una moraleja lamentable. Es imposible explicar las razones del disgusto que me generó este film sin entrar en los detalles de la trama, así que no lo haré. Y tampoco tengo ganas de extenderme demasiado. Sólo quería aconsejarles que, si se llegan a cruzar alguna vez con esta peli, no pierdan el tiempo. O, al menos, no se dejen engañar...
Lo peor de todo es que la película comienza muy promisoriamente, lo cual convierte al fiasco en algo aun peor. El buen elenco, en el que destaca Haley (nominado al Oscar) no tiene la culpa en este traspié. Si existiese el crimen de estafa cinematográfica, creo que el director y el guionista de Little children serían culpables en primer grado.

Tarde pero seguro: Watchmen

2009-07-05T19:10:00.003-03:00

Título original: Watchmen (USA, 2009) / Dirección: Zack Snyder / Elenco: Malin Akerman, Billy Crudup, Patrick Wilson, Jackie Earle Haley, Mathew Goode, Jeffrey Dean Morgan, Carla Gugino / Duración: 162 mins.

Antes que nada quiero aclarar que no sé un comino sobre comics. De hecho, hasta la existencia de este film, jamás había escuchado siquiera nombrar a Watchmen. Así que miré la película siendo totalmente “virgen” al respecto. Desconozco, por ende, si los personajes o la historia hacen justicia a la fuente original. Pero más allá de esto, creo que sí puedo reconocer cuando una película alcanza un nivel de realización superior. Y considero que Watchmen lo hace. Por varias razones.

La película tiene lugar en un 1985 imaginario, con el mundo en vilo ya que USA y URSS están al borde de la guerra nuclear. Se trata de una realidad en la cual Richard Nixon sigue en la presidencia, luego de haber sido reelegido varias veces. Uno de los motivos principales por los que logró esta permanencia en el cargo fue el triunfo de USA en Vietnam, que no hubiera sido posible sin la asistencia de los Watchmen. Este grupo de vigilantes inició su andar allá por los años 40, y está formado por personas comunes, sin poderes especiales, aunque con notables capacidades físicas para la lucha. La excepción la marca el Dr. Manhattan, un científico que luego de un terrible accidente quedó convertido en un ser con poderes extraordinarios, como el de teletransportarse o el de transformar cualquier materia a su voluntad.
Pero el grupo de vigilantes, que fue sufriendo cambios a lo largo de los años, había llegado a un punto en el que sus acciones rozaban lo autoritario (especialmente en el caso de Comedian, un personaje netamente reaccionario), por lo que el propio Nixon, ante cierta presión social, emitió una ley que prohibió su accionar, determinando el fin del grupo. La trama de la película arranca cuando, en la actualidad de 1985, y con el grupo ya retirado, alguien asesina a Edward Blake (alias Comedian) con lo que otro de los Watchmen, Rorschach, inicia una investigación al respecto, buscando a la vez la ayuda de sus ex compañeros.

Lo primero que hay que decir de Watchmen es que es visualmente impactante. El director Zack Snyder (Dawn of the dead, 300) nos traslada a una realidad paralela de manera notable, haciendo no sólo uso de toda la imaginería visual posible, sino de la música, la cual incluye clásicos del rock como Bob Dylan, Janis Joplin, Jimi Hendrix, Simon & Gartfunkel y Leonard Cohen. Para un amante del rock como yo, esto es un plus. Pero lo cierto es que estas elecciones musicales, que podrían haber quedado como arbitrarias dentro del contexto del film, ayudan a darle una personalidad única. Y hay que aclarar que Snyder no utiliza aquí el mismo estilo visual artificial del que se valió en 300. Los personajes de Watchmen, y el universo que los rodea, son más reales, más posibles, más cercanos. Es un mundo en el que predomina la contradicción, la amargura y el sinsentido. Sus protagonistas son seres conflictuados que no terminan de encontrar su lugar en el mundo, y que viven un permanente estado de ambigüedad. Como dicen en un momento, tal vez el Comedian, con su desdén hacia la vida humana, sea quien mejor haya entendido de qué va la cosa en este mundo podrido.
El film, con sus dos horas y media, se toma su tiempo para pintar a sus personajes y contar su historia. Pero lo más importante en esta película no son los pormenores de la trama, sino lo que la misma termina representando. Así como también lo que sus personajes sienten y personifican. A aquel espectador que no logre identificarse con lo ocurrido, puede parecerle un film largo. Pero quien se enganche desde un principio con la historia, sentirá que está dando el paseo de su vida. El film de Snyder destila estilo por todos sus poros (arrancando con una notable secuencia de títulos al ritmo de "The times they are A-changin'", de Dylan, en la que se muestra la historia de los Watchmen), pero está muy lejos de sólo quedarse en la superficie. Es un film con alma. Con un alma oscura y lastimada, como la de sus protagonistas.

El elenco realiza una tarea uniforme, dentro de la cual cabe destacar primero a Billy Crudup, en el papel del Dr. Manhattan, ese ser al que en apariencia poco lo queda de humano, pero que detrás de su inexpresiva presencia y cerebral comportamiento esconde la última esperanza de salvación para la humanidad. Y luego hay que nombrar Jack Earle Haley en el papel de Rorschach, el personaje más enigmático de todos. Haley es un actor que gozó de una carrera prominente como adolescente a principios de los 80, y que tuvo un gran regreso en el 2006 al ser nominado al Oscar de Reparto por su papel en Little Children. Aquí, le pone el cuerpo a esa mezcla de sociópata e investigador privado, que esconde su identidad tras esa máscara blanca sobre la cual las formas negras van cambiando permanentemente. Es el personaje, y la actuación, más visceral del film.
Mi conclusión es que es uno de esos filmes, como The Dark Knight, que trascienden su mero subgénero para configurar una obra superior cuyas implicancias son profundas y duraderas. Y que se configuran, para aquel que esté dispuesto a vivirla, en una verdadera experiencia.
Watchmen se edita se edita en DVD en Argentina en julio de 2009.

Charlie Bartlett

2009-06-29T22:29:00.006-03:00

Título original: Charlie Bartlett (USA, 2008) / Dirección: Jon Poll / Elenco: Anton Yelchin, Robert Doyney Jr., Hope Davis, Kat Dennings, Tyler Hilton / Duración: 97 mins.

Charlie es un hiperactivo adolescente de clase alta que es sistemáticamente expulsado de los mejores colegios debido a sus actividades extracurriculares (por ejemplo, vender documentos de identidad falsificados). Su empastillada pero adorable madre (Davis), decide enviarlo entonces a un colegio público, al tiempo que el psiquiatra de la familia le aumenta las dosis de Ritalin para tratar de controlar sus “impulsos”. Al principio, Charlie es visto en el nuevo colegio como un bicho raro (lo cual no es de extrañar, dados sus extraños modales y su blazer de instituto privado). Pero él rápidamente pone en práctica su sagacidad, logrando meterse en el bolsillo a todo el mundo. ¿Cómo lo logra? Transformándose un una especie de psiquiatra escolar, atendiendo las consultas del estudiantado (en el baño del colegio), y recetando los fármacos que él obtiene de varios psiquiatras (a los que acude inventando distintos desórdenes psiquiátricos). La fama que irá ganando colocará en alerta al conflictuado director del colegio (Downey Jr.), quien pondrá el ojo sobre Charlie y entrará casi en pánico cuando se entere que su propia hija es el interés romántico del nuevo estudiante.

Charlie Bartlett es una película que es menos inteligente y provocativa de lo que le gustaría ser, que arranca de manera algo errática y va encontrando luego su rumbo, aunque jamás llega a cuajar del todo. Aborda temáticas serias, como el abuso de drogas recetadas, la depresión y el suicidio, desde una perspectiva irónica. Pero justamente su problema principal está en el tono. Es una especie de mezcla rara: en parte parece tratar de recuperar el espíritu de las comedias de John Hughes de los años 80 (Ferris Bueller, principalmente), pero dándole un giro contemporáneo, y metiéndole la sofisticación de los filmes de Wes Anderson (Rushmore, The Royal Tenenbaums). Pero mientras que Anderson crea universos internamente coherentes (más allá de que no sean realistas o creíbles), el director Jon Poll aquí está más lejos de lograrlo, ya que su film pierde por momentos el registro, quedando a mitad de camino entre una comedia adolescente, una parodia inteligente y una sátira de trazo más grueso.
El desconocido Anton Yelchin deja en líneas generales una buena impresión en el papel principal. Si bien en un principio el personaje de Charlie, con ese tono de vendedor insistente, puede resultar algo molesto, el actor demuestra el carisma necesario para llevar adelante la película. Lo que no es poco. Y aunque es imposible decir que Downey Jr. brinde jamás una mala actuación, lo cierto es que aquí nunca parece plenamente cómodo en su papel. Tal vez sea lo que su personaje transmite, ya que es un ex profesor que no termina de adaptarse a su rol de director. Pero da la impresión de que Downey está desperdiciado. Aunque, como dije, siempre actúe bien.

En conclusión, una comedia “amable”, con algunos momentos más iluminados que otros. Y que no se la juega del todo, buscando el obligatorio crecimiento y redención final de sus protagonistas. Como dije, tiene la aspiración de ser mucho más sofisticada de lo que termina siendo. Pero bueno, Wes Anderson hay uno solo.
No creo que se estrene en cines en Argentina. Calculo que debe conseguirse en DVD.

Tarde pero seguro: Perdidos en Brujas

2009-06-22T22:00:00.000-03:00

Título original: In Bruges (Inglaterra/USA, 2008) / Dirección y guión: Martin McDonagh / Elenco: Colin Farrell, Brendan Gleeson, Ralph Fiennes, Clémency Poésy / Duración: 107 mins.

Vuelvo a esta sección en la que hablo sobre películas que no vi en su momento de estreno, pero que con el paso del tiempo he podido apreciar. En este caso, se trata de esta más que recomendable película llamada In Bruges.

Luego de terminar un “trabajo”, dos asesinos a sueldo británicos son enviados a la ciudad de Brujas (en Bélgica), por un par de semanas, para esperar instrucciones de su jefe. Ninguno de los dos sabe realmente para qué fueron enviados a esa pequeña y antigua locación. Ken (Brendan Gleeson) es un cincuentón relajado que decide disfrutar de la estadía como cualquier turista, fascinado por los edificios medievales de la pintoresca ciudad. Ray (Colin Farell), bastante más joven, es un tipo al cual poco le interesan la historia y los museos, por lo que se siente como fiera enjaulada. Además, carga con un sombrío incidente del pasado cercano que atormenta su conciencia y que lo sume en una profunda depresión, de la cual logra salir sólo de a ratos. Desde ya, las cosas para ellos se irán complicando, especialmente desde el momento en que se sepa el por qué de su estancia en Brujas.

Si bien In Bruges es básicamente una comedia, tiene elementos de su trama bastante oscuros y que poco invitan a la risa. Se podría decir que es una comedia negra dramática. Esta conjunción de elementos, en apariencia incompatibles, esta bien manejada, aunque es cierto que a algunas personas les pueda parecer algo chocante. Las situaciones van de lo grotesco a lo ridículo, pasando por lo violento y lo cómico. Pero la película no va por el lado del humor negro cool tipo Tarantino o Guy Ritchie, sino que tiene un tono más dramático, más natural.
Lo cierto es que el film no funcionaría si no hubiera química entre sus dos protagonistas, pero afortunadamente no es el caso. Gleeson y Farrell están excelentes en sus papeles, registrando de manera perfecta tanto los momentos cómicos como los dramáticos. Y por más que los diálogos no tengan la brillantez de un film de Tarantino, los protagonistas otorgan a sus personajes gran frescura, generando entre ellos una relación creíble y fraternal. Y ya que hablamos de actuaciones, hay que destacar también la aparición, en el último tercio del film, de Ralph Fiennes en el rol de Harry, el maniático jefe mafioso. Desde su disgustado gesto facial y vulgar forma de hablar, Fiennes logra una caracterización entre cómica y temible, muy alejada de sus solemnes trabajos habituales. Sin dudas, es de lo mejor que ha hecho en los últimos tiempos.

In Bruges está lejos de ser una obra maestra y, como dije, tiene algunos elementos que posiblemente no terminen de cuajar de manera perfecta. Pero su atmósfera por momentos de ensueño, sus actuaciones entrañables y su falta de grandes pretensiones la convierten en una experiencia muy disfrutable. Y es bueno ver a Farrell haciendo esta clase de filmes chiquitos, en los que nos hace olvidar de toda la boludez que ha rodeado su ascenso a la fama, demostrando que, en definitiva, es un muy buen actor.

Asfixia

2009-06-17T19:20:00.002-03:00

Título original: Choke (USA, 2008) / Dirección: Clark Gregg / Guión: Clark Gregg (basado en la novela de Chuck Palahniuk) / Elenco: Sam Rockwell, Anjelica Huston, Kelly Macdonald, Brad William Henke, Clark Gregg, Joel Grey / Duración: 89 minutos

Víctor Mancini (Rockwell) es un adicto al sexo que trabaja en un parque temático en el que se recrea la época colonial norteamericana. De su caótica existencia, se podría destacar que: acude a reuniones de adictos al sexo, aunque lo hace más para coger con las asistentes que para curarse; tiene una madre (Huston) internada con Alzheimer, que vive confundiéndolo con otras personas; cena habitualmente en restaurantes lujosos en los que finge asfixiarse con su comida, con el objetivo de recibir donaciones posteriores por parte de las personas que lo salvan (porque sienten por él un sentimiento de culpa).
En medio de este descontrol, Victor descubre un día, por los dichos de su inconexa madre, que su padre tal vez no sea quien él creía (siempre había creído que lo había abandonado de pequeño). Entonces, hará lo imposible por arrancarle a la madre la identidad de su padre, para lo que recurrirá a la ayuda de la doctora Marshall (Macdonald), nueva integrante del staff del instituto a quien Victor, obviamente, tratará también de “empomarse”.

Choke fue escrita y dirigida por Clark Gregg, quien adaptó la novela homónima de Chuck Palahniuk (autor también de El club de la pelea). Éste es el debut en la dirección de Gregg, conocido hasta ahora por su labor como actor (muchos lo identificarán por interpretar al ex esposo de Julia Louis-Dreyfuss en The New Adventures of Old Christine; y en el film hace el papel del superior de Victor en el parque). Y hay que decir que no es un debut del todo feliz. El terreno de la comedia negra es uno pantanoso y peligroso. Es uno de los subgéneros más difíciles de encarar, ya que uno se mueve constantemente sobre un límite muy fino, corriendo el permanente riesgo de caerse. En este caso, si bien los resultados están lejos de ser bochornosos, también lo están de ser exitosos. Gregg no logra nunca que el film levante vuelo. No es tanto un problema de tono, sino de lograr explotar las posibilidades de su historia. El personaje central es un tipo bastante difícil de querer, y la película poco hace para que realmente nos importe lo que le pasa. Y todo termina siendo una sumatoria de situaciones potencialmente interesantes, pero desarrolladas por la mitad.
Sin dudas que esto no es culpa del elenco. Sam Rockwell es un actor al que los personajes retorcidos le salen como anillo al dedo. Y si bien hay algunas poses suyas que me suelen caer medio mal, hay que admitir que tiene un gran carisma y una facilidad evidente para moverse entre el drama y la comedia. Anjelica Huston también hace lo justo y necesario con su personaje, tanto en su actualidad con Alzheimer, como en los flashbacks en los que se la muestra como una madre bastante “poco ortodoxa” y ausente.

Me resulta difícil desechar totalmente a un film como este, ya que al menos es bastante original. Pero es una de esas películas que dan lástima más por lo que podrían haber sido que por lo que son. Seguramente, un director más experimentado y talentoso podría haber llevado la historia a otro nivel (como lo hizo David Fincher con El club de la pelea, aunque, justo es decirlo, aquella tenía un presupuesto mucho mayor). Lo que queda, es el esqueleto de un film potencialmente atrevido y conmovedor, pero que no llega a ser ninguna de las dos cosas. Los ocasionales apuntes interesantes, algunas situaciones bizarras y las buenas actuaciones alcanzan como para recomendarla muy tibiamente, con todas las reservas ya planteadas.
En Argentina se consigue en DVD hace un par de meses.

Foto de Mickey Rourke en Iron Man 2

2009-06-13T18:36:00.007-03:00

Así se verá a Mickey Rourke en la secuela de Iron Man. El recuperado gran Mickey hará el papel del Ivan Vanko, enemigo ruso de Tony Stark, que en el film se transforma en el villano Whiplash. Éste sería su look, aunque algunos comentarios indican que se trataría de una versión "beta" del traje definitivo del personaje. En la película, además de Robert Downey Jr., claro, estará Sam Rockwell como Justin Hammer, un empresario rival de Stark. Está claro que buenos actores no le faltarán al film. Además, son un seleccionado de "reventados", así que será entretenido verlos interactuar. Pero habrá que esperar bastante. La peli se estrena en USA en mayo de 2010.

JCVD

2009-06-07T18:00:00.001-03:00

Título original: JCVD (Bélgica,Luxemburgo, Francia, 2008) / Dirección: Mabrouk El Mechri / Guión: Mabrouk El Mechri, Frederic Benudis, Christophe Turpin / Elenco: Jean-Claude Van Damme, Francois Damiens, Zinedine Soualem / Duración: 97 minutos

JCVD es una rareza, y representa una verdadera sorpresa, no tanto por su calidad, sino por el salto cualitativo de quien la protagoniza: Jean-Claude Van Damme. De todos los íconos de acción de los '80 y '90, seguramente uno de los que menos rango actoral haya demostrado fue Van Damme, un experto en artes marciales nacido en Bruselas cuya mayor muestra de talento fue la forma en que habría sus piernas horizontalmente. Pero el tipo acá se redescubre con inteligencia, interpretándose a sí mismo, y nos revela un costado suyo que, tal vez, le abra un nuevo futuro en el mundo cine.

El film comienza con un gran plano secuencia de varios minutos durante el cual Van Damme avanza a base de puñetazos, patadas y explosiones varias en medio de un ejército enemigo. La escena, expertamente coreografiada, culmina repentinamente debido a un problema “técnico” que rompe la ilusión cinematográfica y nos revela que se trataba todo de un set de filmación. A continuación, vemos a un Van Damme exhausto que, luego del esfuerzo, trata de razonar con un indiferente director asiático, traductora de por medio. “Filmar en una sola toma me resulta muy difícil. Tengo 47 años”, trata de explicar. La escena, y las palabras del belga, marcan la pauta de lo que seguirá. Un film en el que se borra la línea entre realidad y ficción, durante el cual la (¿ex?) estrella toma en solfa a su vida pública y privada.

La historia nos muestra el presente problemático de Van Damme, quien luego de perder la custodia de su hija, viaja a su país natal en busca de, tal vez, algo de paz. En el interín se entera de que su futuro proyecto cinematográfico, necesario para recomponer algo su situación económica, se vino a pique porque el papel principal le fue finalmente otorgado a Steven Seagal. Con todos estos problemas a cuesta, JC debe ir de urgencia a la oficina postal para transferir una suma importante de dinero a sus abogados. Pero la situación se complica, y el tipo termina envuelto en un asalto con rehenes que lo tiene a él como principal sospechoso.
La narración está estructurada de forma tal que se muestra la situación desde distintos ángulos (algo no novedoso, pero bien llevado aquí), informándonos cómo Jean-Claude llegó a esta situación actual. Y a lo largo de toda la película hay observaciones, diálogos y situaciones que retratan de manera satírica a la fama y a la idea que el público tiene de las estrellas. Y si bien no todo lo que ocurre es idéntico a la vida real de Van Damme, es indudable que la mayoría de lo que se muestra está basado en su biografía.

Van Damme no sólo lleva a su propia persona (e imagen pública) a altos niveles de parodia y auto crítica, sino que logra una actuación sincera, con varios momentos cómicos y otros emotivos. En este sentido se destaca un extenso monólogo suyo, mirando a cámara, donde desgrana su vida y sus problemas abiertamente. Es una escena algo arbitraria, pero que Van Damme resuelve impecablemente. Pensando que este es un film/reality show, la escena bien podría ser el confesionario. Van Damme busca, obviamente, la redención. Y aquí lo deja claro.
En suma, un proyecto interesante. Imperfecto, sin dudas, pero que está muy por encima de lo que podría esperarse. Habrá que ver qué le depara el futuro al musculoso belga, pero si tomamos a JCVD como su primera jugada en busca de la recuperación, hay que decir que arrancó más que bien. Fue un paso arriesgado e inteligente. Y bien realizado.
No creo que se estrene en cine en Argentina, así que búsquenla por los medios habituales (DVD y de los otros). Vale la pena.

Para mí está loco en serio

2009-05-31T17:20:00.000-03:00

Esta semana llegará a las salas argentinas Terminator Salvation, la cuarta entrega de la saga iniciada por James Cameron hace ya 25 años. En este caso, el protagonista es Christian Bale, quien se pone en la piel de John Connor, el líder de la resistencia humana contra las máquinas.
Bale es un actor que siempre me pareció excelente, pero a quien siempre sentí también que le faltaba "algo". A pesar de la intensidad e integridad que le impone a todos sus roles (empezando por Psicópata Americano, pasando por El Maquinista, Batman y El tren de las 3:10 a Yuma), siempre sentí una distancia con sus personajes, como que no logré generar con ellos una conexión real. Es como si Bale sufriera no sólo de una falta de carisma, sino casi de una falta de humanidad. Y yo creo que esto ocurre porque el tipo está medio "chapa" en serio (quien lo dude, que clickee aquí para recordar su rabieta en el set de Terminator). Tal vez por eso su psicópata americano haya sido tan creíble. Es un actor sin dudas notable, pero al que creo que le falta esa cuota de encanto y empatía para convertirse en una verdadera estrella. Y a quien su, a veces, exagerada pose seria lo limita bastante en sus roles. En una entrevista reciente, Bale dijo que jamás filmaría una comedia romántica. Y hace bien, porque lo suyo, obviamente, no va para ese lado. Y a mí, en lo particular, tampoco suelen gustarme ese tipo de filmes. Pero sería interesante verlo a Bale, alguna vez, probar algo distinto. Dejar de lado ese ceño fruncido. Esa pose taciturna que parece encerrar a sus personajes siempre en un mismo rincón emocional.
Reitero, creo que Bale es un actor brillante. Pero pienso que está algo chiflado... Ojalá algún día logre soltarse un poco (y no que se le suelte la cadena, como ya le ha ocurrido).

Sherlock Holmes, o la búsqueda del respeto perdido

2009-05-25T12:18:00.007-03:00

Buscando levantar definitivamente su alicaída carrera, y limpiar un poco su nombre después del affair Madonna, el director inglés Guy Ritchie (Snatch) estrenará próximamente su versión de Sherlock Holmes. En este caso, el afamado detective estará interpretado por el totalmente renovado Robert Downey Jr., mientras que Jude Law será su fiel compañero Watson. Si nos guiamos por el avance, quedan claras un par de cosas: que Ritchie le impondrá a la historia su reconocido estilo visual; y que las fanáticas de Downey Jr. estarán más que contentas. Es realmente increíble que este tipo, hasta hace algunos años, seguía entrando y saliendo de la cárcel.
La peli tiene estreno previsto en USA para Navidad, mientras que a Argentina llegaría en enero de 2010.
El trailer:

Películas favoritas: Biloxi Blues

2009-05-18T22:30:00.000-03:00

Biloxi Blues (1988) narra, de manera bastante afectiva y algo complaciente, la vida en una compañía del servicio militar de USA en plena segunda Guerra Mundial. Es una de esas películas a las que, si nos ponemos en estrictos, le encontraremos fallas y debilidades varias. Pero yo elijo perdonar esas faltas en favor de los buenos momentos que me hace pasar.

El film tiene un pedigree bastante importante, siendo una adaptación de Neil Simon de su propia obra teatral semi autobiográfica, y teniendo en la dirección a Mike Nichols, responsable de películas como Quién le teme a Virginia Wolf?, El Graduado, Conocimiento carnal, Trampa 22 y Colores primarios, entre tantísimas otras.

El protagonista es Eugene Jerome (Matthew Broderick), un joven judío de Nueva York, aspirante a escritor, quien se siente como pez fuera del agua en el ejército. Allí trabará amistad con Arnold Epstein, un amanerado muchacho (también de NY) que posee un exagerado sentido de la justicia y cuyas férreas convicciones lo hacen difícil de soportar, incluso para el propio Eugene. El resto de la tropa incluye a personajes variopintos, entre los que destaca Wykowski, un tosco muchacho de familia polaca, que se configura como el opuesto de los neoyorquinos: todo fuerza, nada de intelecto. O sea, el soldado perfecto. Y todos estos personajes deben sufrir al sargento Toomey (Christopher Walken), un relajado pero atemorizante militar.
Matthew Broderick cumple bien su papel, aunque, con su cara de nene, logra hacer más creíble su parte inocente que su parte “canchera”. Y Christopher Walken está brillante, interpretando a uno de esos hijos de puta que tan bien le salen (y que luego repetiría hasta, casi, la autoparodia). Toomey es un militar estricto, pero que infunde temor sin necesidad de gritar. Sólo su calmada y fría presencia alcanza para asustar a cualquiera. Pero es un tipo que cree en lo que hace. O sea, su hijaputez sigue una lógica: la de generar soldados obedientes y eficientes. Es una gran actuación de Walken, quien maneja sabiamente el subyacente tono cómico de su personaje.

El film aborda temas importantes como la guerra, la discriminación, el homosexualismo y la crudeza del servicio militar, pero todo está realizado con una mirada compasiva. Es una típica comedia dramática, que navega entre distintos tonos, nunca yéndose demasiado hacia ningún lado. Y tratando de que todo cierre con un moñito. Lo cual logra bastante bien.
Hay muchos momentos deliciosos, principalmente en los contrapuntos entre el sargento Toomey y los soldados, y diálogos muy bien escritos. Y, como dije, el film logra que la historia concluya de manera lógica, cerrando un círculo casi perfecto.
Una de esas pelis que, cuando la engancho en TV, me la quedo mirando seguro. Tal vez la suma de sus mejores partes no concluyan en una obra superior. Pero esas partes hacen que valga la pena verla.

Películas para la medianoche

2009-05-10T14:30:00.002-03:00

La medianoche, y las horas que le siguen, conforman un momento especial, distinto. Nuestro cuerpo y mente atraviesan el límite que divide un día del siguiente, y nuestro ánimo cambia, predispuesto a otra clase de experiencias. A todo nivel.

El fenómeno de las películas de medianoche se refiere a esos filmes de culto que han tenido éxito en proyecciones nocturnas, al margen de la grilla de estrenos comerciales. Son obras que, por distintas razones, han sido rescatadas o valoradas por un segmento de público que las toma como propias. Un caso paradigmático es The Rocky Horror Picture Show, película que lleva 30 años siendo proyectada en las trasnoches de USA, con un fervor notable. En Argentina, films musicales como The Wall y The song remains the same han generado un seguimiento similar en los años 80.
Ahora bien, siendo yo un personaje bastante poco salidor, y dada la limitada oferta de este tipo de proyecciones, prefiero actualmente disfrutar del cine hogareño. Es decir, de tirarme en mi cama, control remoto en mano, y ver qué aparece en tv en esos horarios marginales (o echar mano a mi videoteca). Y, en lo posible, acompañado de un buen trago (otra clase de compañías son más que bienvenidas, desde ya).
Aquí les dejo, entonces, algunos de mis filmes predilectos para disfrutrar pasada la medianoche.

The Rocky Horror Picture Show (1975): ok, admito que, por más entonado que esté, en mi casa no me disfrazo como los personajes, ni bailo las canciones (algo que sí ocurre en las proyecciones en los cines). Pero este bizarro musical sobre el doctor Frank-N-Furter (el gran Tim Curry), un extraterrestre que vino a la Tierra para crear al hombre perfecto, resiste cualquier análisis. Es pura diversión enfermiza.

La Danza de los Vampiros (1967): un clásico de Roman Polanski, que mezcla terror y humor de manera brillante. El propio Polanski protagoniza como el torpe asistente de un viejo caza vampiros, que en plena Transilvania se propone terminar con el Conde Dracula. Una verdadera joyita, que logra ser graciosa y tenebrosa al mismo tiempo.

The Blues Brothers (1980): surgido de un sketch de Saturday Night Live, este film con John Belushi y Dan Aykroyd es una locura tremendamente disfrutable, en especial para los fanáticos de la música. La apariciones de James Brown, Ray Charles, Aretha Franklin, John Lee Hooker y la persecución de autos más pirada en la historia del cine la convierten en una de mis favoritas.

Freaks (1932): una película única. Tod Browning dirigió esta historia sobre la vida de unos fenómenos de circo (enanos, "cabezas de alfiler," una mujer barbuda, gemelas siamesas, un "torso humano"). Lo más inquietante es que sus protagonistas son personas reales con esas malformaciones. Todo aquel que la vio, no olvidará la frase "One of us! One of us!"...

This is Spinal Tap (1984): un falso documental que sigue los vaivenes de un decadente grupo de rock británico. Rob Reiner dirigió y coescribió junto a los protagonistas (Christopher Guest, Michael McKean y Harry Shearer). Lleno de observaciones y momentos brillantes. Creo que fumado se disfruta aun más...

¿Y Ustedes, tienen alguna película "de medianoche" favorita?

Hijo de tigre

2009-05-02T22:40:00.000-03:00

Una de las películas aun sin estrenar que está generando más prensa previa es Moon, protagonizada por Sam Rockwell. El film, futurista, cuenta la historia de un astronauta que es enviado a una misión de tres años en la luna, con la única compañía de la computadora de la base (cuya voz es la de Kevin Spacey). Cuando el astronauta está cerca de finalizar su difícil misión, ocurre un singular y desconcertante hecho.
El título de mi posteo viene a cuento porque este es el debut en la dirección de Duncan Jones, quien es ni más ni menos que el hijo de un tal David Bowie. Y según lo que cuentan quienes ya vieron el film, parece que el muchacho heredó algo del talento de su notable padre.
En USA se estrena en junio. Aquí el avance.

The Visitor

2009-04-25T14:30:00.003-03:00

Título original: The visitor (USA, 2008) / Dirección: Thomas McCarthy / Guión: Thomas McCarthy / Elenco: Richard Jenkins, Haaz Sleiman, Danai Jekesai Gurira, Hiam Abass / Duración: 104 minutos

Los detractores del cine norteamericano suelen tildarlo de frívolo, artificial, esquemático e infantil, entre otras cosas. Y en gran medida, tienen razón. Una buena parte del cine "industrial" hollywoodense suele ofrecer productos de consumo rápido que apuntan al mercado adolescente, dejando poco lugar para al cine adulto. Pero USA también tiene una historia muy rica de cine serio y comprometido. De cine independiente, tanto monetaria como ideológicamente. Cine de historias y de personajes. Existe una larga línea de realizadores que han sabido contar historias simples pero trascendentes. Con The Visitor, su segundo largometraje, el actor y director Thomas McCarthy se confirma, orgullosamente, como heredero de esta escuela.

Walter es un apático profesor de economía que vive una existencia rutinaria. Habiendo enviudado hace un tiempo y con su único hijo viviendo en otra ciudad, pasa sus días dictando una cátedra que sabe de memoria y dejando pasar su tiempo libre de forma monótona. Un día le piden que asista a una conferencia en Nueva York para dar una charla. El tipo, a regañadientes, acepta ir. Además, tiene un departamento allí, al cual hace bastante que no va, por lo que no tendrá problemas de hospedaje. El tema es que cuando llega al departamento encuentra a una pareja de inmigrantes allí instalada. Y si bien la primera reacción es de rechazo, al enterarse luego que ellos fueron estafados, decidirá dejarlos quedarse y compartir el departamento. Así, generará con ellos un vínculo que le cambiará la vida profundamente.
Tarek, el hombre de la pareja, es sirio, mientras que Zainab es senegalesa. Él es percusionista, y se gana la vida tocando en la calle y en pequeños bares junto a su grupo de jazz. Y gracias a él Walter aprenderá a trascender su inexpresividad, conectándose con partes de su ser que desconocía, o que tenía adormecidas.

Si bien la película puede parecer que aborda temáticas familiares, lo hace eludiendo sabiamente los lugares comunes. Es un film simple en superficie pero que toca fibras muy profundas. Un film que se atreve a mostrar las secuelas del 11 de septiembre desde una perspectiva poco transitada por el cine norteamericano: la de los inmigrantes. Muestra de qué forma la paranoia generada por los ataques terroristas llevó a que el estado yanqui se maneje de manera brutal con todo aquel que no sea ciudadano de ese país. El director maneja la trama sutilmente, sin necesidad de aleccionar al espectador ni de recurrir a golpes bajos para que se entienda el mensaje. Y así, como quien no quiere la cosa, nos va enganchando emocionalmente con todo lo que ocurre hasta el último minuto.
Richard Jenkins es de esos actores a los que hemos visto infinidad de veces sin saber su nombre. Uno de esos tantos Héroes Anónimos que sirven para completar elencos, otorgando siempre solvencia en roles secundarios. Pero aquí, el director lo eligió para protagonizar su historia. Y vaya si acertó con su elección. La actuación de Jenkins es exacta, justa. Nada le sobra ni le falta. Alejado de cualquier exageración, con su presencia serena y algo abatida, se carga la historia de principio a fin. Es realmente agradable ver que los Oscar hicieron justicia con su nominación.
En conclusión, un film cuya historia y personaje central se quedan con uno un buen rato luego de terminado. Sin dudas, de lo más destacado en venir de USA en el 2008.

The visitor se estrenaría en Argentina en abril (a confirmar)

Lo nuevo de Spike Jonze: Where the wild things are

2009-04-19T11:26:00.017-03:00

Y pasamos de Charlie Kaufman a uno de sus compañeros creativos, el señor Spike Jonze. De hecho, esta será la primera película que haga en no estar basada en un guión de Kaufman (es increíble que recién sea su tercera peli como director).
Basada en un clásico libro para chicos, Where the Wild Things are es la historia de un niño desobediente que crea su propio mundo imaginario. El film está protagonizado por el novato Max Records, y cuenta además con las actuaciones de Catherine Keener (veterana del mundo Jonze-Kaufman), Mark Ruffalo, y las voces de James Gandolfini, Forest Whitaker, Catherine O'Hara y Paul Dano.
No sé si es porque me entusiasma el director, o porque desde que soy padre tengo el corazón más permeable, pero el trailer me gustó mucho. Al menos, da la impresión de que Jonze se regodea en su inventiva visual.
Tiene estreno supuesto en Argentina para el 22 de octubre de 2009.
Les dejo el avance:

Synecdoche, New York

2009-04-14T23:30:00.001-03:00

Título original: Synecdoche, New York (USA, 2008) / Dirección: Charlie Kaufman / Elenco: Philip Seymour Hoffman, Catherine Keener, Samantha Morton, Michelle Williams, Tom Noonan, Emily Watson, Jennifer Jason Leigh, Hope Davis, Dianne Wiest / Duración: 124 minutos

Hay películas que desafían cualquier lógica y expectativa previa. Que nos descolocan. Que nos confunden. Que nos dan bronca y placer a la vez. Y que rechazan un análisis “objetivo” mediante el cual aplicarles una escala de valores. Es el caso de Synecdoche, New York, el debut como director del singular guionista Charlie Kaufman (¿Quieres ser John Malkovich?, El ladrón de orquídeas, Eterno resplandor de una mente sin recuerdos). Un film tan inclasificable y distinto, que me resulta imposible juzgarlo como a cualquier otro.

Voy a hacer un intento por contar algo de la trama. Caden Cotard (Hoffman) es un director de teatro que está en un momento complicado de su vida, estrenando una obra y en plena crisis con su mujer (Keener), una reconocida artista plástica. Un día ella viaja a Berlín, llevando a la pequeña hija de ambos, para presentar una muestra. El tiempo pasa, y el viaje se prolonga. Mientras, Caden recibe un premio en dinero por sus logros artísticos, el cual decide utilizar para montar una nueva obra. Adquiere entonces un gran depósito abandonado, con la idea de recrear allí la vida tal cual sucede en el mundo exterior. Su objetivo es lograr una representación fiel y honesta de la realidad. Así, comienza a edificar esta obra, la cual se irá volviendo, con el paso del tiempo, más compleja (al igual que la película), llegando a confundirse con la vida real. Lo insólito, es que la obra está en permanente etapa de desarrollo y ensayo. Los años pasan, y nunca es realmente estrenada al público. Mientras, Caden guia como si fuera un dios todo lo que ocurre allí. Cada persona de la vida real de Caden tiene su equivalente en la obra. Él mismo tiene, incluso, a un actor interpretándolo. Y realidad y ficción se chocan constantemente.

Como dije, le peli va haciéndose más difícil a medida que avanza. Se vuelve cronológica y espacialmente difusa. Juega con realidades paralelas. De hecho, Kaufman ya demostró en el pasado su interés en borrar los límites entre ficción y realidad. En ¿Quieres ser John Malkovich?, donde el título ya lo dice todo. O en El ladrón de orquídeas, en la que el personaje protagónico era el propio Kaufman (interpretado por Nicolas Cage). Otro aspecto recurrente en su obra es la fortaleza de los personajes femeninos. En Synecdoche, el protagonista se relaciona principalmente con mujeres. Y todas son mucho más fuertes e independientes que él. No es de extrañar, en este contexto, que el elenco femenino sea realmente notable. Están aquí varias de las actrices más interesantes de la actualidad. Y al frente está Hoffman, un actor al que siempre vale la pena ver, interpretando a esa pila de traumas y síntomas clínicos que es Cotard.

Debo admitir que el film me dejó muchos más interrogantes que certezas. Incluso, no terminé de definir si me gustó o no. Por eso me niego a darle una puntuación. Lo cierto es que es una obra que hay que ver. Y que merece reconocimiento por su riesgo artístico. No sólo creo que vale la pena verla, sino que considero necesario verla más de una vez. No porque sea buena, sino porque es imposible apreciar todo lo que tiene para ofrecer de una sola vez. Tiene tantos elementos surrealistas y tanta hipertextualidad que una vez no alcanza. Excitante, confusa, cómica y trágica a la vez, Synecdoche es de esas películas que se quedan con uno. Y que te dejan pensando. ¿Obra maestra o sarta de incoherencias? Tal vez algún día me decida. Tal vez después de verla cuatro o cinco veces más... De lo que estoy seguro es que mientras haya tipos como Kaufman filmando, el cine nunca va a correr el riesgo de estancarse.

Synecdoche, New York se estrenaría en Argentina en septiembre de 2009.

Gran Torino

2009-04-07T18:30:00.000-03:00

Título original: Gran Torino (USA, 2008) / Dirección: Clint Eastwood / Elenco: Clint Eastwood, Bee Vang, Ahney Her, Christopher Carley / Duración: 116 minutos

Gran Torino es, en todo sentido, una clásica película de Clint Eastwood. Clásica por su personaje central, por su estilo narrativo y por la forma en que presenta sus conflictos. Es un film que reúne lo mejor y, en menor medida, lo peor de este actor/director a quien, a esta altura, aceptamos como a un viejo tío, perdonándole sus ocasionales faltas.

La película cuenta la historia de Walt Kowalski, un hosco jubilado, veterano de la guerra de Corea, que acaba de enviudar. Típico representante de la “vieja escuela”, pasa sus días viendo con disgusto cómo su barrio se ha venido abajo, invadido por las peleas entre bandas callejeras de distintas etnias. Walt es un tradicionalista, y el hecho de que haya tantos inmigrantes viviendo alrededor suyo, por más que la mayoría sean honestos, le pone los pelos de punta. Así es que mira con recelo a sus vecinos de al lado, una pacífica familia Hmong (una etnia asiática). Entre los integrantes de esta familia está Thao, un introvertido adolescente que es tentado para formar parte de la violenta pandilla de su primo. Luego de una trifulca entre la pandilla y la familia, que culmina en su propio jardín, Walt termina enfrentándose a los inadaptados, iniciando así una relación con Thao y con su hermana, Sue, y ganándose el (no buscado) reconocimiento de sus vecinos orientales.

La historia tiene varios puntos en común con otros filmes de Eastwood, en especial Million Dollar Baby. En aquella, el personaje de Clint también era un viejo cascarrabias y huraño, que cargaba con varias culpas del pasado que necesitaba exorcizar. En ambas cintas aparece la figura de un cura (a quien el protagonista trata con desdén) que intenta redimirlo de sus pecados. Y, como en Baby, aquí también el viejo genera un vínculo con alguien mucho más joven por quien termina logrando un sentimiento de afecto y responsabilidad.
Se ha alabado mucho la maestría de Eastwood como narrador. Y lo cierto es que el tipo tiene una claridad conceptual notable a la hora de contar sus historias. En lo narrativo, a sus filmes no les sobre ni les falta nada. Clint sabe qué quiere contar y cómo lo quiere contar. Donde sí puede encontrarse más tela para criticar es en el planteamiento de sus tramas. Las películas de Eastwood, y ésta no es la excepción, suelen simplificar bastante sus conflictos. Clint no conoce de sutilezas a la hora de dejar en claro quiénes son los buenos y quiénes son los malos. Aplica una visión maniqueísta de las cosas. Esto determina que muchos personajes secundarios sean unidimensionales (en este caso, sus hijos, nueras y nietos), y que algunas situaciones tengan el peso dramático de un capítulo de Brigada A. Pero esto forma parte de su modo de narrar, y es uno de los aspectos que explica por qué sus historias son tan inmediatas y accesibles.

Creo que Gran Torino es una de esas películas que no resisten un análisis frío y desinteresado. Verlo a Eastwood interpretando, tal vez por última vez, a ese personaje que hemos venido viendo envejecer los últimos 35 años, genera una indudable afinidad. Además, el guiño con el espectador es permanente, especialmente desde el humor con el que Clint se toma al personaje. Está bien, el tipo, como realizador, tiene sus mañas. Pero él es así. Como Kowalski, es de la vieja escuela. Es una clase de cineasta en vías de extinción. Y a él también le gusta tener su jardín ordenado, limpio y libre de invasores. Capaz no te gusten todas las plantitas que tiene. Pero que lo tiene bien cuidado, nadie lo puede negar.

Directores: Jim Jarmusch

2009-03-31T22:20:00.000-03:00

Jim Jarmusch es uno de los “padres” del cine independiente norteamericano moderno. Su estilo despojado, con una narrativa morosa, personajes apáticos pero atractivos y un subyacente sentido del humor, marcó el camino para un gran número de cineastas, no sólo en USA, sino en el mundo entero (incluida la Argentina). Y a pesar de que ha ido expandiendo su alcance, sigue siendo uno de los autores más personales e identificables del cine norteamericano.

Los filmes de Jarmusch hacen un retrato profundo, sutil y afectivo de los antihéroes. De personajes que están al margen de la sociedad, o al menos de los cánones impuestos por la industria del cine. Son historias pequeñas, lentas y minimalistas en las que, en apariencia, “no pasa mucho”. Los diálogos y las actuaciones suelen ser relajadas, carentes de cualquier afectación o búsqueda efectista. Sus relatos trabajan más por acumulación de situaciones que por una línea narrativa clara.
Un aspecto que le fascina abordar a Jarmusch (quien estudió literatura además de cine) es el choque y la mezcla entre culturas. En casi todos sus filmes hay personajes de distintas nacionalidades, que no sólo interactúan sino que se apropian de elementos de otras culturas.
Jarmusch es amigo de muchos músicos (John Lurie, Tom Waits, Iggy Pop). Esto lo ha llevado no sólo a dirigir video clips, sino también a elegir a estos artistas para protagonizar varios de sus filmes. Además, junto a algunos de ellos formó "Los Hijos de Lee Marvin", una supuesta sociedad secreta integrada por personas que comparten el hecho de ser físicamente parecidas al actor Lee Marvin (Jarmusch, Nick Cave, Waits, Iggy Pop). Se reúnen a ver películas de ese actor. Una locura, bah...
A continuación, filmografía destacada de este gran director:

Stranger than Paradise (1984)
Extraños en el Paraíso, con la que ganó la Camera d'Or en Cannes, se centra en dos amigos, medio vagos, apostadores y jugadores de cartas. Un día llega de Hungría la prima de uno de ellos y se acopla a su disipado estilo de vida. Al espectador poco atento, le puede parecer que no pasan muchas cosas. Una pequeña gran película, filmada en blanco y negro, con un presupuesto bajísimo (buena parte del film se desarrolla dentro de un departamento). Un momento clave del cine independiente.

Down by Law (1986)
Bajo el peso de la ley es el relato de tres presidarios, erróneamente acusados, que escapan de la cárcel y se esconden en las zonas pantanosas de Louisiana. A tono con la anterior: blanco y negro, atención a los diálogos, morosa. Con John Lurie, Roberto Benigni y Tom Waits.

Night on Earth (1991)
Un conjunto de cinco relatos de taxistas, en tono de comedia, que transcurren en distintas ciudades del mundo (Los Angeles, Roma, New York, París, Helsinki). Una película mucho más digerible y pasatista, con un elenco de cierto renombre: Benigni, Gena Rowlands, Winona Ryder, Armin Mueller-Stahl.

Dead Man (1995)
Film sobre el Lejano Oeste con Johnny Depp, Lance Henriksen, Billy Bob Thornton, Iggy Pop. En blanco y negro, con música de Neil Young. Se lo considera como uno de los pocos filmes en representar fielmente la cultura de los nativos norteamericanos. Influenciada por los escritos del poeta William Blake.

Ghost Dog: The Way of the Samurai (1999)
Con Forest Whitaker. Un asesino a sueldo que trabaja para la mafia italiana de New Jersey, pero que se mueve según los códigos de los samurai japoneses. Excelente film donde Jarmusch explota la mezcla entre culturas (un negro samurai; mafiosos italianos que escuchan rap y miran cartoons). Gran banda de sonido de Hip hop.

Coffee & Cigarettes (2003)
Irregular colección de historias cortas filmadas a lo largo de varios años. La más vieja (con Roberto Benigni) data del '86. Participan Bill Murray, Tom Waits, Iggy Pop, los White Stripes, Cate Blanchett y Steve Buscemi, entre muchos otros. Tal vez la mejor sea la de Alfred Molina y Steve Coogan.

Broken Flowers (2005)
Una película de mayor presupuesto (con un gran elenco) aunque sutil como todas las del director. Cuenta la historia de un solterón que recibe una carta anónima donde le avisan que tiene un hijo. Decide entonces visitar a sus ex amantes/novias para averiguar de quién puede ser. Bill Murray, con su habitual minimalismo gestual, se configura como el protagonista ideal del “mundo Jarmusch”. Con Tilda Swinton, Jessica Lange, Sharon Stone y Frances Conroy.

The Limits of Control (2009)
Su próximo film, con fecha de estreno en mayo de este año. Tiene lugar en España. Actúan Gael García Bernal, Bill Murray, John Hurt, Tilda Swinton y Luis Tosar. Espero esta peli con ansias...

En suma, un director que me encanta. Y que vale la pena conocer.

Jarmusch Dixit: “Nada es original. Robá de cualquier lado que te inspire o que alimente tu imaginación”

¡¡Fui a ver a Radiohead!!

2009-03-25T18:34:00.002-03:00

Disculpen que me corra de mi temática cinéfila habitual, pero lo que presencié anoche ameritaba este posteo. Tuve la suerte de concurrir al recital que Radiohead brindó en el Club Ciudad de Bs As, y fue todo lo que uno podría esperar de esta gran banda. Como le dije a Matías, mi amigo y coequiper de Querido Rock, estos tipos parecen extraterrestres. No sólo sus canciones son brillantes, sino que en vivo brindan un show sin fisuras, con un sonido inmaculado. Son músicos con mayúsculas. No hay en ellos ni un rastro de la pelotudez "pomeliana" que, lamentablemente, tanto apesta el rock actual. Son cinco artistas que sólo quieren hacer música. Y que sólo vinieron a tocar. Sin demagogias. Sin facilismos. Sin vueltas. Thom Yorke es un front man que se impone a fuerza de talento. No necesita arengar a la gente. Con sólo desplegar su voz y su "reservado" carisma, la gente se eleva. El tipo entra casi en trance por momentos, y el público con él.

El show fue una aplanadora de hits (palabra que en realidad no les hace justicia, ya que no son creadores de "éxitos"). Si bien vinieron con la excusa de presentar In Rainbows, su excelente último disco (del cual tocaron casi todos los temas), armaron un set que incluyó canciones indispensables como Idioteque, Paranoid Android, 2+2=5, No surprises, Planet Telex, KarmaPolice, There There y Creep, entre otras. Fueron más de 2 hs de música de alto vuelo.
Es una opinión muy personal, pero Radiohead hace que la mayoría de las bandas parezcan amateurs. El sonido que logran en vivo, y la integridad que han mantenido como artistas a lo largo de su carrera, así lo demuestran.
Sin dudas, presenciamos "El" show del 2009. Y eso que recién estamos en marzo...

Observaciones al margen:

De teloneros estuvieron los próceres de la electrónica Kraftwerk. Cuatro tipos delante de sendas laptop, haciendo música robótica que sólo sirve para bailar empastillado. Qué se yo... Respeto su legado, pero creo que casi todo el estadio tenía un gran signo de interrogación sobre su cabeza durante la hora que "tocaron" (¿qué opinaría Pappo de ellos...?) Igual, se los trató con respeto.
Como dije, el recital de Radiohead fue inolvidable. PERO, por momentos, en medio de la multitud que pogueaba y empujaba, sintiéndome como una sardina en un lavarropas, conociendo olores físicos que jamás había sentido, y tratando de ver lo que ocurría sobre el escenario (mi altura no me ayuda), no podía dejar de recordar que había pagado casi $300 por estar ahí. Por suerte, luego pude encontrar una ubicación más "cómoda". Pero, para la próxima, me gustaría un Luna Park muchachos...
La botellita de agua estaba ¡¡$10!! Y no venía con papas medianas... Aunque, si lo pensás, son sólo 2 Euros...

En fin, vino Radiohead. Y fue inolvidable...

Películas favoritas: El informante

2009-03-18T19:00:00.001-03:00

Ya que hablábamos de lo nuevo de Michael Mann, me dieron ganas de recordar una gran película suya. Un verdadero ejemplo de cómo realizar un film de denuncia. Una de mis películas favoritas.

The Insider (1999) cuenta la historia real detrás del reportaje especial que el programa 60 Minutes realizó en 1995 sobre la industria tabacalera, en el cual Jeffrey Wigand (Crowe), un ex ejecutivo de esa industria, reveló, entre otras cosas, de qué manera a los cigarrillos se les agrega un componente adictivo que impulsa a sus consumidores a querer fumar cada vez más. El tema es que Wigand había firmado, en su momento, un acuerdo que le impedía revelar cualquier información sobre la industria tabacalera, por lo que la controversia fue enorme. El film muestra cómo esta poderosa industria intentó censurar la historia mediante el uso y el abuso de influencias y de grupos de presión. Y cómo la cadena CBS también tenía mucho en juego. En el centro del relato está el vínculo que se generó entre Wigand y Lowell Bergman (Al Pacino), el tenaz productor periodístico que luchó incansablemente para que este reportaje saliera al aire, sin censuras.

El mundo de Michael Mann está poblado por hombres que miden su valor a través de su trabajo. Su existencia está determinada por lo que hacen en su vida diaria. En la mente de Mann, el trabajo es lo primero. Ya sean los policías y ladrones de Heat, o el asesino de Collateral, o los policías de Miami Vice. Sus personalidades son inexplicables si no es desde su oficio. Y sus relaciones personales se ven afectadas totalmente por lo laboral. Además, a todos sus personajes los caracteriza su integridad. Aunque se trate de criminales, poseen una línea de conducta en lo que hacen. De Niro, en Heat, era un ladrón que no dudaba en abandonar a la mujer de su vida si debía escapar de la ley. En The Insider, Bergman es un tipo capaz de arriesgarlo todo en pos de la verdad. Lo mismo que Wigand, quien hace a un lado su estabilidad familiar y económica con tal de dejar su nombre y su honor bien altos.
Este film, para un crítico de cine, es como el Kilimanjaro. Inaccesible. Hablo de aquellos críticos a los que les encanta buscar el pelo en la leche. Y lo digo porque The Insider es como una fortaleza. No hay por dónde entrarle. No hay qué criticarle. Absolutamente todos sus aspectos son sólidos. Sus actuaciones notables. Su guión abarcativo y medido. Su narrativa irreprochable. Si bien el director se toma su tiempo en contar su historia (dura 157 minutos), lo hace a paso firme. Avanza lentamente, pero como una topadora. Y aunque presenta una catarata de hechos y datos, la película no decae en ningún momento. Mann maneja la historia con la precisión de un cirujano, atendiendo en detalle todos los aspectos de la trama.

La mano del director se nota también en las actuaciones. Al Pacino, enorme actor que en los últimos años fue ganado por la sobreactuación y el tedio, entrega aquí uno de los trabajos más creíbles y medidos de su carrera. Russell Crowe, por su parte, se mete realmente en la piel de su conflictuado personaje, logrando que olvidemos que se trata de alguien 20 años mayor que él (Crowe sólo tenía 33 años en aquel momento). Christopher Plummer (como el periodista Mike Wallace) también está notable. En fin, hasta los extras están bien en este film.
The Insider es cine hecho a conciencia y con rigor. Es de esas películas que sirven como matriz a seguir. Un auténtico film de denuncia (no como la estupidez de Erin Brockovich). Revelador, didáctico y potente. Un joya del cine adulto. La verdad, ser adulto está bueno en algunas ocasiones. Disfrutar de películas como ésta, es una de ellas.

Johnny Depp es un ladrón

2009-03-13T06:30:00.002-02:00

Al menos, en la nueva película de Michael Mann. Se trata de Public Enemies, el nuevo film del director de The Insider y Miami Vice, entre tantas otras. En la peli, Depp interpreta al legendario ladrón de bancos John Dillinger, quien fuera considerado Enemigo Público Número Uno en los Estados Unidos de la década del '30. En el elenco figuran Christian Bale (como el agente del FBI que lo persigue), Marion Cotillard y Billy Crudup. A pesar de contar con este reparto, todo hace pensar que esto se tratará del show de Johnny, omnipresente en el trailer.
Si es de Michael Mann, confío en que me gustará.
En Argentina se estrena el 2 de julio.
Aquí, el avance.

Slumdog Millionaire

2009-03-07T20:55:00.001-02:00

Título original: Slumdog Millionaire (Inglaterra/India, 2008) / Dirección: Danny Boyle (y Loveleen Tandan) / Elenco: Dev Patel, Freida Pinto, Anil Kapoor, Ayus Mahesh Khedekar / Duración: 120 minutos

Hacía mucho tiempo que no veía que una película generara semejante disparidad de opiniones. Sobre Slumdog Millionaire escuché a mucha gente decir que era una maravilla del séptimo arte, y a otra tanta defenestrarla totalmente. Al fin pude verla, y debo decir que me dejó una sensación intermedia, que me aleja de ambas puntas de la discusión. Paso a explicar por qué.

Antes que nada, cuento brevemente el film, que se desarrolla íntegramente en la India. Jamal es un joven que está a punto de ganar el premio mayor en el programa ¿Quién quiere ser millonario? Pero algunas personas de la producción del show no creen que sea posible que este muchacho humilde y trabajador haya podido contestar todas las preguntas que lo llevaron hasta esa etapa. Así que al término del primer envío es llevado por la policía, que lo interroga toda una noche (en forma violenta) para que confiese cómo supo las respuestas. A partir de ahí, el film se constituye en una serie de flashbacks desde los cuales Jamal cuenta su penosa historia de vida, y los sucesos que fundamentan cómo llegó hasta allí, y por qué sabe dichas respuestas. En el medio, conocemos la historia de amor que lo una a Latika, una chica a quien conoce desde su infancia, y que será el corazón del relato.

Bien, ahora vayamos a la “polémica”. La película ha sido acusada de banalizar y glamourizar la miseria. Lo primero, porque dicen que se muestra de manera casi costumbrista las penurias de estos niños indios que viven en una pobreza extrema (realmente extrema). Y lo segundo, principalmente, por el estilo del director Danny Boyle, que busca permanentemente impactar desde lo audiovisual. Yo, sinceramente, no sentí que ninguna de estas cosas fuera así. Las escenas de la vida de Jamal de pequeño en la villa miseria me parecieron muy crudas, pero sin caer en el sensacionalismo ni la condescendencia. Se nos está relatando una historia que tiene lugar en uno de los lugares más pobres de la tierra. Y se muestra la vida tal cual es allí. Es cierto que el uso de niños en esta clase de filmes es aun más chocante, pero uno imagina que los realizadores tomaron los recaudos del caso. Algunos han comparado a la película con Ciudad de Dios. No percibí válida esa analogía. En el film brasileño sí había un intento por darle a la pobreza una estética de video clip. Aquí no. Cuidado, esto no quita que sí haya una búsqueda estética. Al fin y al cabo es una película ficcional, no un documental.

De todos modos, no me interesa hacer una defensa férrea de la película porque tampoco me pareció una obra maestra. Pero sí creo que cuenta una fábula en medio de un contexto original. Es una historia de amor y de supervivencia cuyo mensaje final sería que el amor y la fuerza de voluntad pueden triunfar. Está muy bien contada y actuada, principalmente por el protagonista, Dev Patel. Y tiene un buen ritmo, que luego de la primera mitad decae un poco. En mi opinión, los puntos criticables de la historia no tienen que ver con lo planteado previamente, sino con algunos aspectos más específicos del relato que no me cerraron, pero que no contaré ya que no me gusta entrar en los detalles de las tramas.

Volviendo a la polémica, y buscando darle un cierre personal, creo que tengo la suerte de no tener una ideología marcada. No soy de izquierda ni de derecha, ni católico ni judío, ni peronista ni radical ni comunista. Aborrezco las religiones y las ideologías. Siento que mucha gente posee dogmas o doctrinas que pesan sobre sus cabezas, y que les arman una pátina que nubla su sentido común, generando una barricada que les impide aceptar todo aquello que se aleje medianamente de su visión del mundo. Se sienten obligados a hacer una declaración de principios en cada oportunidad, dejando bien sentada su posición. Lo lamento por ellos. Un crítico argentino se refirió a este film como “pornografía de la pobreza”. Creo que estamos exagerando. A mí hubo partes que realmente me parecieron fuertes, pero el contexto de la historia así lo requería. Yo trato de manejarme con mi sentido común y con mi percepción de lo que es correcto e incorrecto, sin una mano superior encima que me maneje la cabeza.
En conclusión, y siguiendo la metodología del programa “Millonario”, podríamos preguntar:
-“Slumdog Millionaire es: a. Una obra maestra / b. Un film nefasto / c. Una película que plantea una polémica interesante / d. Sólo un buen film".
-"Yo diría d"
-"¿Respuesta final?"
-"Sí, definitivamente... ¿Me gané algo?"

Películas descartables (¡Pare de sufrir!)

2009-03-04T20:10:00.000-02:00

A ver si me explico, en este posteo no pretendo hablar de films que no merecen ser vistos, sino de aquellos que sólo deberían ser vistos una vez. O sea, se los usa y se los tira. Porque son historias tan duras, dramáticas y realistas, que es un verdadero sufrimiento mirarlas. Son films tan bien hechos, que al mirarlos uno sufre tanto como los protagonistas. A quien tenga alguna de estas pelis en su videoteca, me gustaría que me diga cuántas veces la "disfrutó"...

Expreso de medianoche (Midnight express, 1978): esta peli dirigida por Alan Parker cuenta la historia de un estudiante norteamericano (Brad Davis) que es atrapado traficando drogas en Turquía y va a parar a una cárcel en la que sufre toda clase de vejaciones. Tan realista que es una verdadera tortura para quien la mira. Cada vez que la engancho en TV, ruego porque los perros no le encuentren la falopa al tipo al principio. Pero siempre lo hacen... La música de Giorgio Moroder es clásica.

El Hombre Elefante (The Elephant Man,1980): una de las primeras películas dirigidas por David Lynch, narra la historia real de John Merrick (John Hurt), un hombre grotescamente deforme, y la relación que traba con el Dr. Frederic Treves (Anthony Hopkins), quien intenta integrarlo a la sociedad. Es un film hermoso, pero es también uno de los más tristes que haya visto. ¡Y lo produjo Mel Brooks!

La casa de arena y niebla (House of sand and fog, 2003): esta peli es realmente un DRAMA. Una joven mujer emocionalmente inestable (Jennifer Connelly) pierde su casa por una supuesta falta de pago en sus impuestos. Un inmigrante iraní (Ben Kingsley) obtiene la casa en el remate judicial, y se muda con su familia. Lo que sigue es una historia en la que la parte menos dolorosa es cuando la Connelly pisa descalza un enorme clavo.

Vuelo 93 (United 93, 2006): la supuesta historia del avión secuestrado por los talibanes que no llegó a su objetivo. Según la película (y la versión oficial), los pasajeros trataron de detener a los secuestradores, y el avión terminó estrellado. Cierto o no, Paul Greengrass demostró en esta película que es un gran director. Pero, ¿quién puede disfrutar ver este film? Alguien con cagazo a los aviones, como yo, seguro que no. Los últimos 10 minutos son intolerables.

Requiem para un sueño (Requiem for a dream, 2000): la historia de cuatro personas cuyas vidas descienden a lo más oscuro de las adicciones (cocaína, heroína, pastillas para adelgazar). El clímax de esta película dirigida por Darren Aronofsky llega a momentos de una asfixiante intensidad. Otra con la Connelly sufriendo... Odio verla sufrir...

Inglorious Basterds: lo nuevo de Quentin Tarantino

2009-03-01T22:01:00.007-02:00

Mientras en Argentina recién se acaba de estrenar Death Proof, el film dirigido en 2007 por Tarantino que, originalmente, se estrenó en USA en doble función como Grindhouse (junto a Planet Terror, de Robert Rodriguez) , ya está dando vueltas el trailer del nuevo film de Quentin, Inglorious Basterds (se escribe así, no es un error).
La peli, protagonizada por Brad Pitt, relata la historia de un grupo de soldados judío-americanos que, en plena Segunda Guerra Mundial, son elegidos para asesinar brutalmente a cuanto soldado aleman puedan, con el objetivo de sembrar el terror entre las filas del Tercer Reich. Me huele a que el bueno de Quentin estará haciendo, como le gusta, algunos homenajes con este film, entre ellos a los Doce del patíbulo.
En Argentina se estrena el 15 de octubre como Bastardos sin gloria. El trailer no muestra mucho, pero sabemos que con este tipo es difícil no tener las expectativas bien altas.

No es que tenga nada de malo...

2009-02-25T18:50:00.001-02:00

Sean Penn es, sin lugar a dudas, uno de los mejores actores de EEUU. Un tipo que, además de su calidad actoral, posee una integridad en su vida pública que empapa su labor artística. Sorprendentemente, hace más de una década Penn había anunciado su intención de retirarse de la actuación, para dedicarse a escribir y dirigir. Por suerte, eso no ocurrió. Y así fue que hemos disfrutado de su trabajo en películas como Dead man walking, She's so lovely, Sweet and Lowdown, Hurlyburly, My name is Sam, 21 Grams y The assassination of Richard Nixon, entre otras. En conclusión, opino que se merece largamente todos los premios que le den. PERO, debo decir que las dos veces que recibió el Oscar a Mejor Actor, me dejaron una leve sensación de injusticia.

Cuando en el año 2004 Penn obtuvo el premio por Mystic River, estaba también nominado Bill Murray por Lost in Translation. Y las apuestas principales estaban divididas entre ambos actores. Pero había, con Murray, una sensación de cosa irrepetible. Su sutil actuación en el film de Sofía Coppola tenía la palabra "clásico" escrita en todos lados. Y, para Murray, ganar el premio era una especie de "ahora o nunca". Pero la Academia se decidió por Penn. Y si bien su labor en el film de Eastwood fue excelente, el premio pareció más un reconocimiento a su trayectoria que a esa actuación en particular (de hecho, de ese mismo año muchos habían elogiado más su labor en 21 gramos).

Ahora, Penn vuelve a ganar el premio en otra aparente competencia de dos, en esta oportunidad "contra" Mickey Rourke. Y también en este caso había, con Rourke, la sensación de algo único. Primero, por la inestable carrera del actor. Y segundo, y principal, porque su personaje "The Ram" Robinson parece destinado a colarse entre los clásicos del cine. Algo que no creo que ocurra con el Milk de Sean Penn, mas allá de que se trate de una soberbia interpretación. La diferencia radica en que lo de Mickey fue una creación absoluta, un personaje único y original coronado por una actuación intensa y sensible. En cambio Penn, que recreó de manera brillante la vida de Harvey Milk, no nos sorprendió con su labor. Es un trabajo irreprochable por parte de un gran actor. Pero le falta ese toque "mítico" que al otro le sobra. En mi opinión, la Academia se inclinó en este caso por lo más políticamente correcto. Y por quien iba a brindar un discurso ideológicamente interesante y afín (Rourke le hubiera mandado besos a su fallecida perrita Loki).
Desde ya, esta es una visión completamente personal. Cuando se trata de gustos, nadie tiene la razón. Y repito, Sean Penn es un actor que admiro y que merece culminar su carrera con cinco Oscars en su repisa. Pero los dos que logró hasta ahora, personalmente, me dejaron un gustito amargo en la boca. Espero que en su próximo Oscar (que seguramente ganará), no me ocurra lo mismo. Es más, si quiere se lo entrego yo mismo, que soy mucho más divertido que el amargo ese de De Niro...